从专业角度看,德国小提琴家DAVID GARRETT小提琴拉的怎么样?

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大家不要说这种问题去百度就行,网上真的没有啊^_^

首先……很惭愧,不是专业的……随意说说,要喷别喷太狠……

我身旁的朋友,听说我拉琴,通常都会很开心地表示知道有一男一女两个大师,女的叫陈美,男的叫David Garrett……= =

陈美我们就不讨论了,来说说DG

底子非常好,贴个DG还未跨界发展时的视频
1997 David Garrett plays Mendelssohn [3 of 3] http://v.youku.com/v_show/id_XMzY1NDc2Nzg4.html 声音细腻,技术干净利落,长得也是真帅,又是拉门e的好年华

而之后跨界发展当然也无可厚非,人家就是帅这你要承认,而且人家就是把这条路走通了

代价嘛……就是浪费了这个好底子……

现在的琴声……也贴个视频吧……贝D第三乐章
(4 of 6)David Garrett 演奏贝多芬小提琴协奏曲 20071008 http://v.youku.com/v_show/id_XMzY3MTA5MDU2.html
(5 of 6)David Garrett 演奏贝多芬小提琴协奏曲 20071008 http://v.youku.com/v_show/id_XMzY3MTEwMzA4.html 首先录音质量我们可以从乐团声音判断,混响足够,乐团的声音还称得上饱满,录音环境应该不存在太多问题。
再说DG的表现。
最最基础的,音准节奏,个别音出现将近半度的差距,这种差距在专业演奏中,应该算是比较低级的失误。
在看表现力,总觉得多了些戾气,换弓之间的音头粗糙(也有炫技小品会刻意追求这种粗糙带来的听觉刺激,但绝不是用在贝D上的),强弱切换突兀,快板处(尤其是低音)跳跃不足死板有余,甚至让我会有一种,他可能没有太用心的感觉。
第三乐章的回旋曲式的主旋律是非常灵动跳跃的感觉,而中间的柔版又是美得令人窒息的甜美旋律。每一弓每一次换音的暴力,都会削减掉这些旋律精致的感觉,贴个帕尔曼的版本对比一下~
贝多芬D大调小提琴协奏曲 小提琴独奏 帕尔曼,指挥 巴伦勃依姆 http://v.youku.com/v_show/id_XMzE1MzkxODQ=.html 你甚至可以感觉到,他在演奏时是多么的小心翼翼,音色就是在小心翼翼中才能达到浑圆饱满。

我想,这种偏向暴力的演奏,应该是与其涉足流行界是分不开的。
第一,这种简单而又过瘾的手法,是更容易引起大众刺激点的
第二,缺乏长时间的系统训练,一方面技术会退化,但更重要的是乐感的退化,各种触弓感觉的迟钝。
一方面观众需要,另一方面,也确实是DG不是当年的DG了。

总结:
DG的天分底子,是一定好的,但也说不上真的旷世奇才(第一个视频门e,也已经17岁了,想当年海老11岁就跟着柏林爱乐奏柴D了),如果坚持古典的路子走,是否真的能成为载入史册的大师,也是不一定的,DG也许也是看到了这样的瓶颈,才决定走一条能更加利用自己优势的道路。
DG现在(至少是贝D的视频的时候,07年)的水准,作为不错的独奏手,是足够的,但说大师,称不上。

古典音乐 音乐人 小提琴

如何理解pogorelich的诠释是基于“充分尊重乐谱”的?

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他的演奏(主要说1996以后)怎样体现了该理念?我想要具体某句或某乐段的例子,他的那些”看似大不同“蕴含了哪些对乐谱深层次的理解?真心跪谢
我有他很多bootleg, 必要的话可以拿出来

如何理解Ivo Pogorelich的诠释是基于“充分尊重乐谱”的?

没想到我在知乎的首次回答和首次被邀请,竟都与波哥有关,说来还真有一种莫名的激动。

人们对波哥诠释的争议,很重要一方面与“照谱演奏”有关。音乐的创作常被分为两个维度:作曲(最侠义层面的音乐创作)和演奏。除去两者同为一人担当的情况,在作曲的基础上进行的演奏,需要对前者进行充分的尊重。换句话说,演奏者的演奏在尊重作曲者的基础上才有意义[1]。而乐谱作为作曲者乐思的最直接体现,尊重乐谱也便成为了尊重作曲者的一个重要前提。

那又该如何尊重乐谱呢?答案就是我们常说的“照谱演奏”。狭义上的“照谱演奏”是谱面上标什么,就要严格奏什么。但不少朋友被这一认识圈住了,以为音乐演奏只能严格遵照谱面进行,而演奏者的二度创作空间是绝对不能延伸到这里的——这就导致了面对波哥演奏时的疑惑。的确,严格遵照谱面是对每一名演奏者的原则性要求,即便是在有时被标榜其音乐无需“照本宣科”的古琴领域中,这同样是一个原则性要求,只是由于传统古琴记谱的缺陷,遵照传统古琴谱演奏的音乐才看似比遵照五线谱演奏的音乐更“灵活”。但通过严格遵照谱面就真能达到尊重乐谱、尊重作曲者的目的了吗?我们需要注意到:1)五线谱的记述即便再精确,也不能做到百分之百地精准表达一段乐音或作曲者的乐思;2)作曲者自身在作曲时就可能未对其音乐做出严格限制,允许变通或被适当揣摩[2];3)严格“照谱演奏”,可能反倒不能更好地体现谱中的乐思(详例见下方例一)。以上三点,不仅使得绝对的严格“照谱”不存在依据,同时也意味着基于严格二字的侠义“照谱演奏”观并不一定能很好地达到尊重乐谱、尊重作曲者的目的。这时再回到波哥这里,则能发现他的不严格“照谱”,实则是用一种广义的“照谱演奏”,对原谱进行一定变通,不但能有效解决上述缺陷,还有助于表达情感、营造氛境,扩大二度创作的空间并使之与一度创作相融合。该广义又是何意呢?一是其变通是在原谱的基础上进行的,不存在“改编”甚至“篡改”;二是这些变通的做出都有其合理原因。具体什么样的原因算合理,对这一问题的解答,则决定着广义二字的范围。而至于波哥自己是如何回答的,我不敢妄言,下文例子中所注原因,也只是我个人的推测。总之,波哥的诠释意在解决尊重乐谱的问题,而非制造不尊重乐谱的麻烦,故应该视为“是基于‘充分尊重乐谱’的”。

下面就是一些不严格“照谱演奏”,看似不尊重乐谱的例子,以及我对其背后原因的推测。由于我对波哥的CD更加熟悉,就暂不举包括1996年以后的布特莱格的例子了,还请见谅,但依照上文所提的广义的思路去理解,可以认为波哥在1996年之后和之前的演奏是相通的。


例一:

出处:贝多芬第32钢琴奏鸣曲,op. 111,第二乐章,结尾处。

画圈处左手应继续按住不动,但波哥却轻轻地补了一下音。

原因:此时左手按音的音量过低甚至快要熄灭,可以说在实际上已经变成半个休止符了。这种变通能够更好地体现贝多芬原本的乐思。

附注:有趣的是,补音在古琴领域中有时已上升为一种哲学上的错误。什么是古琴?古琴就是在不该灵活处强词灵活,该灵活处强词不灵活。噫。

例二:

出处:肖邦夜曲,op. 55 No. 2。

在全曲多处左右手需同时奏响的地方,波哥有意将两者细微并明显地错开。

原因:这样做可以更加分明地表现各声部,同时营造一种特别的效果。

附注:类似的奏法还出现在波哥演奏的勃拉姆斯幕间曲,op. 118 No. 2

以及穆索尔斯基图画展览会(第九幅画)等乐曲中。

例三:

出处:同上,肖邦夜曲,结尾处。

波哥未按照in tempo(回原速)术语演奏,而越弹越慢。

原因:这样做实际上是在延续之前的气息,不断变静,直至全曲结束。回原速演奏可能会对结尾的氛围造成破坏,而这可能并不是肖邦的本意。

附注:波哥对这首肖邦夜曲的气息控制得极为大胆和细腻,并同他的其它演奏一样,精细到对曲中每一个音的处理。波哥的乐曲是具有说服力的,而我们评价音乐家也应主要从音乐的角度切入,包括所谓思想方面,也应主要从音乐思想的角度切入。只可惜靠花言巧语、论资排辈来提升自己、打压别人这类的事情——

例四:

出处:肖邦第二钢琴奏鸣曲,第一乐章,起始处。

波哥未按照踏板符号演奏。

原因:在这里踩踏板会让左手奏出的声音变得浑浊。变通地不踩踏板,得以让每一个音都清晰地展现。

附注:类似的处理方法还出现在波哥演奏的勃拉姆斯狂想曲,op. 79 No. 1等乐曲中。


二、

上部分更偏重于从理论上理解波哥的诠释,下面我想从其它方面再谈谈。

先从其个人方面斗胆揣摩:波哥为什么会如此“任性”呢?我以为这是因为他在音乐上并不会顾及他人的喜好而妥协的缘故。也许他在1980年肖邦大赛中的遭到淘汰,对这有一定的推动作用吧,毕竟过硬的实力,且有两场大赛冠军的担保,居然还不及台下评委写的几个数——可以想象这对一个信心满满、志在必得的少年会有怎样的影响。当然这只是猜测。回过来,说波哥在音乐上并不会顾及他人的喜好而妥协,并不等同于他不尊重听众。相反的是,作为一个在音乐上认真、严肃的人,波哥力图带给听众最好的音乐。可就是因为他在音乐上的认真、严肃,他才不会因为别人喜欢与否而违心改变自己对音乐的理解、诠释,去妥协与迎合。人们当然能去挑战他的理解与诠释,但大概也只有过他妻子一人。克扎拉兹女士不幸病逝后,似乎唯一能够“制约”他的力量也没有了。

简言之,从一定程度来说,波哥在音乐上是绝对优先地考虑音乐本身的。能这样做,不仅说明波哥对自己的音乐能力有充分的信心,而且意味着他不会以牺牲音乐为代价去换取别的东西。

可是,波哥的“任性”在另一方面似乎仍说不通:他并不认为自己“叛逆”,有时却演奏得太不“寻常”;他的演奏能比他人更准确地照谱进行,有时却又比他人更“大不同”于原谱。对此,我认为可以这样理解波哥的思路:1)“叛逆”“寻常”与否,并不是首先要考虑的;2)准确照谱演奏是原则,但为了音乐的需要,则在需要变通处果断变通;3)至于所诠释的同别人相近也好,不相近也罢,并不在乎;4)这一切都是为了尊重原谱,更深入地发掘作品。说到底,还是因为波哥在音乐上不会顾及他人的喜好而妥协,只要是自己认定的,便去这样认为、这样做。也许在其他演奏家中也未尝没出现过一些看似“任性”的见解,但就是这看似的“任性”,是否要向他人迎合一下、妥协一下也便被提上重要议程了。

再从我们听者的角度看,为什么我们有时会难以接受波哥的演奏呢?除了无论如何都接受不了外,不少朋友其实只是卡在了“预设”的问题上,即当聆听后的感觉与预设不符,就会对这一演奏产生抵触。我不懂心理专业,但我认为这大体源自人在思想上的懒惰。毋需忧虑的是,这只是一种消极的懒惰,与保守这种积极的懒惰还不同。只要我们意识到了思想在偷懒,主动去摆脱,则我们距理解波哥的音乐、以至理解任何其它风格、其它类型的音乐就都近了一步。

我并不是一个以貌评判音乐的人,但看到波哥从早年照片中的英俊,到了近照中的苍白,却仍不禁心寒起来:这就是一个认真对待音乐、对待艺术的人应有的结果吗?的确,波哥在音乐上太不妥协了——

但音乐又是能妥协的吗?


[1]对原谱进行改编的演奏者,其自身也成为了作曲者之一,在此暂不展开谈。

[2]较明显的例子是,肖邦就曾在其学生的书本上标注其作品的变通形式。

2016年3月9日 答

2016年3月11日 最后修改

钢琴 古典音乐 pogo

李斯特的钢琴演奏水平有多高?

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Alfred Brendel在Musical Thoughts and Afterthoughts (Noonday Pr,1991)中如此评价李斯特:李斯特是音乐史上最不可思议的革命者,有着大胆的和声、清新的抒情性、无法效仿的键盘音色,以及不可超越的技巧。他是一位具有崇高境界的全能演奏家。

在Patricia Fallows-Hammond编注的《钢琴艺术三百年》中这样论述:李斯特作为指挥家、作曲家、管理者、钢琴家所作的贡献包罗万象,从而已接近于实现其音乐应具体地表达出整个世界的梦想。

李斯特被普遍看成他所处时代最伟大的钢琴家,被誉为“大师中的大师”,他将钢琴技术发展到了物理上可能的极限。他的“超级技术”探索了钢琴的每一种可能,并继续向交响效果方向推进,他有时使用三个谱表来表示这种效果。他要求双手对所有种类的弹奏都要同样有力----八度(他长长的手指弹十度就像弹八度那样轻松)、和弦、重复音、以前所未有的速度经过的颤音,自由而适意地使用键盘的两端。

在他的手中,钢琴宛若十指间的玩具,却能肆意造出整个管弦乐队的交响效果。相比音乐上的创造性,仅评价他的演奏水平因小失大,过于简单粗暴,那些令人玩味不已的炫技作品也常常遭受诟病,可对此指手划脚的“纯演奏家”们对他史诗般的激情、圣徒般的悲凉又了解多少呢?

那些如宝石般璀璨的炫技风格作品充分体现了他在音乐思想上的扩展和创新,每时每刻响彻在世界各地音乐厅的上空,它们包括:

题献给克拉拉·舒曼的《帕格尼尼超级练习曲》Transcendental Etudes after Paganini R.3a(1838)该曲集被认为是钢琴独奏最难的曲集之一,共有六首练习曲:《G小调震音练习曲》、《降D大调八度练习曲》、著名的《钟》、《E大调琶音练习曲》、《狩猎》、《A小调主题与变奏》

三首夜曲《爱之梦》Liebestraum No.3 in A flat R.211(1850)流行最广的是最后一首,改变来自李斯特自己的歌曲。

《梅菲斯特圆舞曲》Mephisto Waltzes

除此之外,被广泛演奏的李斯特作品还包括:《匈牙利狂想曲集》、《西班牙狂想曲》、题献给罗伯特·舒曼的《B小调奏鸣曲》、《降E大调第一钢琴协奏曲》、《A大调第二钢琴协奏曲》、《幽灵曲集》等等。

李斯特作为一位巨星般的钢琴家,有许多八卦和桃色故事,这些东西也成就了他极度成功的演奏生涯,所到之处皆疯狂,背后的推手竟是一位名叫贝隆尼的乐谱抄写手兼仆役。李斯特可以被称为历史上第一个音乐会明星,而贝隆尼则是明星制度的创始者。

午饭时间到,有空再来添加“李斯特宣传术”、“欧洲鼓掌部队”和“李斯特狂热”。。。

写到这里才发现自己也变成一个哈李斯特的狂热分子了,瞧,李斯特就是这么被玩坏的!^ ^

钢琴 古典音乐 钢琴家 李斯特(Franz Liszt)

Glenn Gould 的演奏有哪些缺憾?

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最好能在介绍时附上相关录音资料

推薦聽他彈的萧邦第三鋼琴奏鳴曲第一樂章,1'43'' 處仿若《讓我們蕩起雙槳》:

d.pr/HuM

不能說缺憾,但非常搞笑。Monty Python 式的搞笑。

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以下是對胡天翼的答案的回應。首先,Pogorelich 那說的是自己吧,「晚年變得愈來愈挫折,最後以不正常的方式錄音」,把錄音換成演奏就是 Pogorelich 了。有現場錄音為證:

lawrencelry.tumblr.com/

關於「標新立異,不惜曲解」

首先,承認吧,我們確實沒法知道作曲家是怎麼想的。我們可以詮釋、可以試圖接近,但如果僅僅因為彈法跟大多數鋼琴家不一樣,就視之為曲解,是說不過去的。

跟時尚界、技術界一樣,鋼琴演奏也有潮流。樂譜上怎麼標的就怎麼彈,這是二戰後漸漸興起的潮流。十九世紀、二十世紀初的大師們都是非常隨性的,別說譜子上的表情記號了,在曲子開頭加一段樂譜上完全沒有的花都不是稀奇事(有 Vladimir de Pachmann 錄的肖邦「黑鍵」練習曲為證)。曲子寫出來之後就是自足的生命,跟作曲家無關了。主張忠於樂譜的,並不見得就比主張自由發揮的要更真誠。

古爾德恰恰是罕見的真誠的演奏家:對自己真誠,而不是對某種演奏風潮真誠。我們可以注意到,儘管有「熱情」奏鳴曲這種劍走偏鋒的演繹,但也有「月光」這種完全「正常」的錄音。他對待鋼琴演奏這件事有自己一以貫之的邏輯:結構第一、對位第一、所有東西都可以成為旋律線條,而不只是過場的花邊段落(胡天翼貼出的「熱情」奏鳴曲中開頭對顫音的處理、1'01'' 開始的那一段就是典型例子)。

另外有一個事實錯誤:古爾德看不上的是莫札特的晚期作品,莫札特早期奏鳴曲他很喜歡的。

關於「缺乏低速彈奏時的解析能力」

這說法跟事實就正好相反了,有他錄的鋼琴改編版貝多芬「田園」交響樂第二樂章為證:

lawrence.li/upload/musi

關於「對慢節奏曲目缺乏溫暖人心的情感」

這是一個很常見的誤解。以胡天翼列舉的兩段錄音為例,事實上 Lipatti 的彈法遠比 Gould 更現代。最能說明這點的細節:Lipatti 把和弦彈成和弦,Gould 則是分解為琶音。後面這種彈法在 20 世紀初的鋼琴大師那裡很常見(Rachmaninoff, Pachmann 等人)──沒有甚麼人比那批大師更不現代了,雖然他們生活在現代主義濫觴的年代。

Gould 不怎麼彈十九世紀的浪漫派作品,而且自稱最後一個清教徒,這都容易讓人產生「冰冷」、「沒有情感」的印象。但在演奏細節上,他恰恰用了很多浪漫主義鋼琴家的彈法。這種彈法是古舊的(quaint),而不是現代的。聽一下他彈的 Richard Strauss 奏鳴曲、拉威爾的 La Valse、或是瓦格納的曲子,跟冰冷完全不沾邊的。

相反,Lipatti 的版本傳遞出的才是一種抑制過的感情。他是非常克己的。

關於「只會做減法,不做加法 」

如果說這裡的減法和加法僅僅指的是裝飾音的話,可以說沒有誰比 Gould 更加精研裝飾音的藝術了。他會在反復的段落中採用不一樣的裝飾音處理,而且有很多非常新奇而合理的彈法,這在 1981 年版的 Goldberg Variations 的 Aria 里非常明顯,只要對照樂譜聽一遍就知道。

音乐 钢琴 古典音乐 格伦·古尔德(Glenn Gould) 演奏 艺术风格 版本比较

如何初步欣赏古典音乐?或者说能够初步入门,涉足这个领域?

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比如怎样选择音乐家和作品,积累对音乐美学的一些常识等。

简单说,欣赏古典音乐与欣赏爵士乐的方法是一致的,都是从泛听到精听。

所谓泛听,很好理解,在你做家务,看杂志,上网等等的同时随便放上一盘莫扎特或是巴赫的选集就可以。这种所谓的选集太容易从网上找到或是买到了,比如EMI出过的莫扎特系列、Decca的极致系列,DG的111周年纪念系列,等等。

我以莫扎特或巴赫来举例并不是因为他们的作品多么容易理解,是因为往往会让你感到舒服,这个“舒服”的定义是不会影响你正在做的事情。当然,你也可以选择其他作曲家的作品,只要不选择交响,不选择歌剧(选段除外)就可以,因为那些需要你正襟危坐,腾出一整块时间来听。

泛听的目的是,当你听到旋律悦耳的,使你觉得特别“舒服”的音乐时,记下它们,记下作曲家与曲目名称,这是培养乐感的一个很好的方式。你大可做个测试,下一次听到这个熟悉的曲目时,看你能不能很快反应出这是哪位作曲家的作品,名字又是什么。

下一步是精听,在精听之前,你需要对一些最基本的乐理常识,古典乐的各个曲式有所了解,推荐你看一套视频教程,耶鲁大学的开放课程系列中的“聆听音乐”[1],其配套的CD[2],相信在你看过之后会领悟到很多东西。

你也可以选择读一些书,有关西方音乐历史的书,明晰各个时期的古典音乐的特征,对应时期的代表作曲家及他们的作品就可以了。

精听,你可以考虑从不同作曲家入手,也可以考虑按不同时期来听。精听与泛听的唯一区别就是音乐不再充当你做家务,看杂志,上网时的背景。你可以花一整块时间从头到尾听完柴科夫斯基的第一钢琴协奏曲,也可以琢磨一下莫扎特如何靠谱写《费加罗的婚礼》来讲述博马舍的这出喜剧。

总归,选择你感兴趣的就好。

最后,在古典音乐面前,人人都是菜鸟。写得不够详尽,希望会对你有帮助。

[1] verycd.com/topics/28325
[2] verycd.com/topics/28660

音乐 古典音乐 音乐欣赏

在家用什么姿势听交响乐?

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交响乐都比较长啊……听着听着就自己看自己不顺眼难道是姿势不对。所以很好奇大家都是什么姿势在家听cd?坐着or躺着or蹲着?白天听还是晚上听?开着灯还是关着灯?(#゚Д゚)

拿一根筷子/笔,然后打蛋,飞饼,搅汤,做挣扎的死鱼。

浑然忘我。

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马勒是否过誉?

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作为资深马勒爱好者,怒答!
过誉与否,是一个评价的问题。
马勒,作为音乐家,是有两重身份的:指挥家作曲家
作为指挥家的马勒,生前就早已名扬世界,其成就被广泛认可。
作为作曲家的马勒,主要作品有九部交响曲,以及交响化的艺术歌曲,如《大地之歌》,《亡儿之歌》等。

马勒的作品在其生前吸引了广泛的注意力,但赞许不多。其《第一交响曲》首演后很多年,评论家和公众还感到无法接受,称之为“新纪元里最无聊的交响作品”。《第二交响曲“复活”》评价稍好,被和门德尔松的同类作品相比。
马勒在维也纳国家歌剧院担任总监的一段时期,由于保守媒体的反犹情绪,相当受排挤,以至于其《第三交响曲》虽然比较成功,但还被骂为“写出这种东西的人应该被放到牢里待几年”。

之后,对马勒交响曲的评价一直是褒贬兼有;其歌曲更为人接受一些。在第四、第五交响曲没能得到公众认可后,马勒相信第六最终会成功,但却遭到了广泛的讥讽,尤其是对曲中非同寻常的打击乐器(铁锤、牛铃等)。维也纳评论家评论道:“铜管,很多很多的铜管,难以置信这么多铜管!更多更多的铜管,纯粹就是铜管!”



File:Philadelphia Orchestra at American premiere of Mahler's 8th Symphony (1916).jpg
马勒《第八交响曲》首演阵容,参与的演奏家与演唱者多达千人

唯一一次全方位的胜利是马勒《第八交响曲》的首演,规模宏大,掌声持续了半小时之久


(来源:维基百科古斯塔夫·馬勒

真正马勒的作品被广泛认可,还是要等到他死后,伯恩斯坦录制马勒全集的时候。这时社会品味多元化,马勒的作品开始被接受;由于录音技术的发展,曾经被视为“昂贵的二流货”、“难以理解”的马勒交响曲等作品,逐渐开始被听众理解。

杨燕迪评论说:“马勒以前为什么被认为不重要,那是传统观点认为他的音乐太乱。所有的专家都认为他的音乐不能分析,所以他音乐站不住脚。但是,不能用贝多芬和勃拉姆斯的眼光去看马勒。从他们的审美眼光看,马勒的音乐某些片断写得确实蹩脚,有时候乐思的质量很低,用很俗气的音调,这些下里巴人的东西怎么可以进入交响曲。用街头小调,用酒吧音乐,怎么能用这样的音乐写交响曲,传统上认为这是不可以的。另外在形式构造上,马勒的乐思乱、多、繁杂、冗长,再加上没有内在的动机联系,所以人们就搞不清楚他在交响曲里为什么这样写。所以在20世纪上半叶人们对他的评价甚低。
“但是到了60年代以后,情况有了很大的变化。其中一个原因,是由于先锋派的带动。”所以历史是很有意思的。在很大程度上是因为当代音乐的创作,当代音乐创作中很戏剧性地运用了马勒的手法,比如说拼贴、比如说引录,把以前的音乐引录进来拼贴,把乱七八糟不同的风格拼在一起,先锋派的音乐让人们惊奇地发现,马勒已经在交响曲里做过了这方面的尝试。这是很重要的原因,当然还有其它的原因,包括指挥家的推动。还有其它的东西。另外就是人的心理发生变化,人发现生活就是这样的,生活本身不是美好的,生活就是乱七八糟的,生活就是一个大杂烩,所以音乐就应该是大杂烩。马勒自己说过,他说交响曲就应该像世界,应该包容一切,应该把美与丑,最通俗的最高尚的东西全部捏在一起,这才叫交响曲。所以他的交响曲有这个特点,所以以前的人不理解。那么当代人开始理解了,所以马勒的音乐目前非常非常红。”

可见,对马勒作品的评价,是经历了一个转折的:由生前不被广泛认可,到死后大放异彩。
从不理解到理解,对他的评价自然发生了变化。可以说,马勒收获的名誉是名至实归的。

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有没有办法很快学会一首钢琴曲?

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我有钢琴,以前也学过几个月的小汤,可是我觉得我真的不是学音乐的料,别人弹几遍就会了的曲子,我可能得花上半个小时才搞定。现在没课上了,没有老师看着我就更不上紧了,每天就是那几首最简单的练习曲自己弹着玩。但是我又很希望自己能弹一首优美的曲子,一来可以给男友过生日的时候听听,二来可以必要时装逼用,三来我钢琴都买了要物尽其用,希望有大神能教我速成的办法,我识谱,只是双手配合比较差。

建议献上四分三十三秒作为生日礼物

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为什么有人认为小朋友不宜听莫扎特?

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给小孩进行早期音乐教育时应该注意什么?

20160510更新: 调整了一下这个答案的叙述顺序。这个答案的论点是反驳“小朋友不宜听莫扎特”这个莫名其妙的论题。

莫扎特确实不像我们心中相像的那么一水儿的天真浪漫。在日常生活中,实际上莫扎特也是个很污的人。比如说他给家人朋友写的信件中,隔三差五就会出现的俚语脏字。(甚至有学者专门研究莫扎特的这种特殊“癖好”。)
甚至他还写过不少著名的类似于“十八摸”这种黄色小曲。不过这恰好可以拿出来反驳这个“莫扎特的音乐不适合给小朋友听”的观点。

欣赏音乐,感受音乐的美是人与生俱来的本能;想要写一首“好听”但“粗俗”的音乐,几乎是件不可能的事情。
比如说莫扎特的这首Bona nox(canon in A major for four voices, K.561)。
Bona nox!
bist a rechta Ochs;
bona notte,
liebe Lotte;
bonne nuit,
pfui, pfui;
good night, good night,
heut müßma noch weit;
gute Nacht, gute Nacht,
scheiß ins Bett daß' kracht;
gute Nacht, schlaf fei g'sund
und reck' den Arsch zum Mund.

这首声乐卡农主要包括了五种不同语言版本的“晚安”,除此之外,有几句歌词的确非常的三俗。我只给大家贴出歌词的英语版本,中文就不给大家翻译了。
Good night! [拉丁语]
You are quite an ox;
Good night, [意大利语]
My dear Lotte;
Good night, [法语]
Phooey, phooey;
Good night, good night, [英语]
We still have far to go today;
Good night, good night,[德语]
Shit in your bed and make it burst;
Good night, sleep tight,
And stick your ass to your mouth.

以下是歌曲原版视频。
莫扎特 K561 Bona nox 原始版本 http://v.qq.com/page/m/i/s/m0198qzyyis.html 这首曲子的歌词,几乎可以肯定出自莫扎特的手笔,莫扎特与其家人的信件中也发现了类似的表达。
毫无疑问,这歌词是粗俗的,三观是不正的,是没办法给孩子听的。然而,大家有没有发现,抛开歌词不谈,其实单论音乐来说,这首曲子还是挺好听的呢?
于是,有人修订了一下这首曲子的歌词,去掉了那些重口味的词语,再唱出来时,这首曲子就脱胎换骨了。
莫扎特 K.561 Bona nox 合唱版本 http://v.qq.com/page/h/v/3/h0198vm6bv3.html
改编版本歌词英文翻译
Bona nox!
You're quite an ox;
Good night,
My dear Lotte;
Good night,
Fie, fie;
Good night, good night,
We still have far to go today;
Good night, good night,
'Tis highest time, good night,
Sleep very well and
Stay perfectly rotund.

如今,这首有着如此“黑历史”,其原创目的如此之“不可告人”的曲子已经彻底便成了一首儿歌,使用的那段旋律始终没有变过。
莫扎特 K561 Bona nox 动画版本 http://v.qq.com/page/n/u/3/n01983rxru3.html
忘记在哪里看到过这样一个观点,人类实际上并不是在“创作”音乐,而是在“发现”音乐。
音乐的美也确实能够跨越文化、种族、语言和国界,让全人类产生共鸣。

莫扎特是一位伟大的音乐家,是一位音乐神童,他为世人留下了数不胜数的音乐宝藏,以至于我们想起他时,常常忘记了他也是一个人,一个会哭会笑,会生气会发飙,会和家人朋友们插科打诨讲荤段子的普通人。
所以也没有理由只许郭德纲说相声,不许莫扎特写小黄曲。
至于小朋友与莫扎特的关系,只要明确两点:
1、胎教是门玄学。
2、别带小朋友听非儿童专场音乐会。
就OK了。
哦,或许还得加上一条,小朋友如果懂德语的话,就不要让他(她)听原版的Bona nox了……

让音乐变粗俗的,只可能是人的语言。



-------原答案关于《小星星变奏曲》的评论

《小星星变奏曲》来源于法国民谣「Ah!Vous Dirai-Je Maman」(让我告诉你,妈妈)不假,可是能不能告诉我你是从哪里听说的这个民谣讲的是这么个龌龊的故事!!!
更何况,只要wiki一下就能找到这首歌谣的原文。

Ah ! Vous dirai-je maman
Ce qui cause mon tourment?
Papa veut que je raisonne
Comme une grande personne
Moi je dis que les bonbons
Valent mieux que la raison.

英语版的歌词如下:

Oh! Shall I tell you, Mommy
What is tormenting me?
Daddy wants me to reason
Like a grown-up person,
Me, I say that sweets
Are worth more than reasoning.

下面是这首歌曲的法语原版,一闪一闪亮晶晶用软软糯糯的法语唱出来,简直比英语版本还好听有没有!能不能告诉我,这曲子到底有哪一点不能给孩子听?
法国儿歌 Ah vous dirai-je, maman http://v.qq.com/page/a/l/q/a0198bs9klq.html
而且,不知有多少人曾经发现过,小星星变奏曲就是我们小时候刚开始学英语时唱的字母歌呀!
英文字母歌学唱 http://v.qq.com/boke/page/g/0/q/g0175rdxygq.html
不光是中国德国奥地利,莫扎特的这首曲子几乎是全世界孩子的童年记忆,前阵子我恰好做了段视频,把10多种语言唱的小星星编辑在一起,叫做“全世界孩子的小星星”,大家感受下,这曲子究竟有哪一点不能给孩子听?!
全世界孩子的小星星 http://v.qq.com/page/c/a/f/c01872sosaf.html
好吧,wiki里面也确实提到,这首曲子的原始版本来自于一首法国民谣“La confidence”,歌词在wiki中也有Ah! vous dirai-je, maman。我并不懂法语,所以只能很粗暴的将歌词直接用google翻译了一下,大概能了解这段歌谣讲的是一个女子在异乡失恋后向自己的母亲倾诉自己的难过之情,这大概就是has peng提到的所谓的什么“乡下女子去大城市后失贞”的来源吧!
可是,只是失恋而已,只是在回忆自己的情人而已,只是在倾诉自己的心痛而已,为什么能把这个说成失贞!请告诉我是从哪里读出来的“失贞”这个词儿?!

音乐 古典音乐 莫扎特(Wolfgang Amadeus Mozart) 幼儿教育

作为吉他初学者,在平时没吉他的时候怎么练习手指的灵活性和独立性 ?

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下面的动作都挺二的,最好偷着练。被人看到可能会被误会成智障。。
方法一:需要经常练的其实就是无名指和小指。手心向下放在桌上,在保持其他手指的指尖接触桌面的情况下,尽量抬高无名指,然后向下敲击桌面。之后再换小指。然后反复换着敲。目标就是练到和食指/中指相近的速度,高度,和力度。当然这不大可能,但越接近越好。。
方法二:握拳。快速做手掌张合的动作。注意动作要到位:张的时候要伸直,合的时候要用力,而且一定要快,能多快有多快。每次坚持做一分钟以上。
方法三:有事没事掐指一算。。算出什么不是重点,重点在经常“掐指”。。每根手指都要掐到。

音乐 古典音乐 吉他 吉他手 吉他普及教学 吉他弹唱 弹吉他

弹奏巴赫的作品时如何体现「严谨」?

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谢邀

我认为「严谨」应该是指忠于时代、忠于作曲家和忠于作品三个方面,不仅是巴赫的作品,古典主义时期、浪漫主义时期及之后的音乐,也应该「严谨」,包括「rubato」也是一定限度的弹性而不是完全的自由。

言归正传,说说巴赫。
1、忠于时代
巴赫是巴洛克时期的大家。「Baroque」原意为「不规则的珍珠」,言下之意就是有很多装饰性的材料、有即兴的成分在其中。这个时期的音乐强调对位,强调调性,和声连接严格,音乐中运用了很多半音阶,还有不停地转调。

巴洛克时期的作品是可以在演奏时自己添加装饰音的,所以就必须去研究那个时代的装饰音的特征以及作曲家的特征,才能做到严谨演奏装饰音。

另外还必须提到那个时期的乐器。巴洛克时期的键盘乐器为羽管键琴,法国的羽管键琴有两个键盘,两根弦一根羽管,音色细腻,琴键敏感度高,而意大利的羽管键琴只有一个键盘,一根弦一根羽管,这种琴音色较清脆、悦耳,也比较朴素。无论法国还是意大利的羽管键琴都不能用手指控制声音的强弱,并且音量也不太大。所以考虑到当时乐器的特点,用现代钢琴演奏巴赫作品时也不能有过分夸张的强弱对比,要保持干净的触键。

2、忠于作曲家
巴赫是虔诚的教徒,很多作品都与宗教相关,风格比较庄重、严谨、虔诚,但是作品中也不乏激情,比如层层序进的和声,不停转调的十六分音组,但是这种激情相比于浪漫主义时期是相对内敛的,要把握好作曲家的风格。

3、忠于作品
巴洛克时期有一些常用的音乐体裁,比如Toccata、Ricercare、Fantasia、Passacaglia、 Chacconne等。首先必须了解这些体裁的特点,比如Toccata就是触技,速度很快;Ricercare有对位,通常有多个主题;Fantasia强调声部间的模仿,形式不固定;Passacaglia有固定低音;Chacconne有变化高音等等。而组曲则源自舞曲。比如英国组曲,其中的Allamande是流行与法国的男女对舞,是4/4或2/2拍的,不快不慢的速度,有一个起拍,以16分音符或8分音符为主;而Courante就是三拍子的舞曲,很活泼,意大利的库朗特比法国的速度更快,有快速跑动的琶音;Sarabande则是西班牙的传统舞蹈,慢速,三拍子;Gigue是英国的舞曲,快速、有力,通常为6/8拍。

此外,复调作品最重要的就是要弹清楚每一条旋律的走向。要分析曲子的Subject、Answer和Counter Subject,其中还会有Episode和Stretto等,不仅要找出来,还要分析由来,比如是主题的倒影、或是新的主题等等,此外还要注意和声走向和转调,只有分析清楚了才能弹得清楚。

当然所有的这些前提是首先必须有一份靠谱版本的谱子,比如亨勒出版社的,至于布索尼等编订的版本,用来参考就好。

以上。

音乐 钢琴 古典音乐 巴赫(Johann Sebastian Bach) 演奏

歌剧演员都要学几门外语吗?

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只是好奇。一个本国演员要演出各个国家的歌剧,要对剧本使用的语言掌握到什么程度?

主要掌握发音,意思一知半解?一部歌剧那么长,只凭发音就记住全部唱词在我看来几乎不可能吧。

或是熟练掌握这门语言,深入理解剧情,才能做出精彩的演出。但是大学4年,除了声乐表演还要掌握N门外语,好像也不太现实。

亦或是,一个演员固定只演出一个国家的剧目,比如只演意大利的、只演德国的……这样只需学一门外语,好像可行性大一点,但从现实看又好像并非如此。

谢各位邀,我详细答一下。
国内外音乐学院本科声乐系都有主要歌唱语言的语音课,也就是包括意大利语法语和德语等。一般意大利语会讲一点简单的语法,其余的主要学习发音。

其实最常见的歌唱语音,意法德英俄西拉丁之中,除了蛋疼的英语之外,都是拼读语音,发音与拼写之间是有规律的,只要非常熟悉发音规则,基本上90%的词都可以比较准确地发出来。(当然唱俄语要学西里尔字母,有时也把俄语标成拉丁字母以便发音。)

我自己本科没在音乐学院读,但是还好北大有各种语言的公选课,而且都随便旁听。于是我旁听了德法意三门语言课,起码把发音规则和简单的日常对话和语法学会了。

与美国的IPA音标教学不同,在英国到了研究生和歌剧学校阶段,有各种不同语言的发音指导老师,每学期都有各国语言的一对一发音课。这些老师都是母语者而且大多数都懂音乐和歌剧。我们把自己学的不同语言的作品唱给他们听,他们一点点帮我们“扣”,帮我们纠正发音,直到听上去象母语者演唱为止,非常严格。我现在唱意德法英发音都还算比较标准,还真是多亏了这些老师。

无论是歌剧脚本还是艺术歌曲歌词,都是音乐演唱和表达的核心。所以如果连我们自己都不懂歌词意思,那怎么可能唱的好?因此我们可以不精通自己要唱的语言,但歌词里的每一个单词都要清楚地知道意思。所以歌剧演员有大量时间都在台下学习,翻译和准备歌词和发音。而且痛苦的是,大部分歌剧的意法德语用的都是“文诌诌”的词语,而且基本上全部都是关于爱情啊,悲伤啊,死亡啊,痛苦啊,背叛啊,太阳月亮啊,鸽子花朵啊。所以不仅翻译起来比较蛋疼,学会的词除了跟女孩调情之外在生活中基本上都用不上嘛!而久而久之唱多了,遇到新的作品,也基本上能看懂个大概,因为用的词经常都是那些嘛。

由于我在欧洲工作,常遇到各国朋友,很多歌剧演员能够说四五种语言,简直让人羡慕嫉妒啊!跟朋友交流多了,也帮助我提高了自己这些语言的水平。当你真的精通一门语言,能够像母语者一样用它去思考,那么用它演唱时肯定是更加自如,表现力也会更好。

至于能否光靠发音背出整部剧,其实是有可能的。因为要演一部歌剧我们要学习准备很久,而且发音是跟音乐的学习联系在一起,所以唱这个旋律时歌词就自然而然地出来了,不用去想。你想想一个歌剧演员,在台上要同时顾及表演、走位调度、歌唱、语言发音、音乐表现、看指挥、使用道具等等。。。如果歌词不烂熟于心,真的是演不下来的。。。

这里附一张图,6月演的歌剧。我此时戴着光头头套,穿着10厘米高跟鞋和紧身亮片长裙,外面套着一个手术服,手里拿着漏斗,旁边一堆手术刀,每个都要用上。同时我不停的在看指挥,然后唱的是最晦涩难懂的德语现代歌剧(Henze写的Phaedra),讲的是各种德语草药的名字,连德国人都不懂。。。你们想象一下哈。(图片有版权勿转载)

音乐 歌剧 古典音乐 演员 声乐

在世界顶级交响乐团做一名乐手是怎样一种体验?

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我是在在波士顿念书的小提琴专业学生,把情况讲一下吧。

大波士顿地区,最好的乐团是波士顿交响乐团(Boston Symphony orchestra),是美国五大名团之一,但是基本上这里是宁愿空缺一两个职位好几年也不招人。

首先 .这只是一份工作!一份工作!一份工作!重要的事情说三遍。
所有人都对工作在交响乐团感到辛苦和不容易,指挥,演奏家,乐团经理。都经常抱怨,有些作品不仅难以排练,而且很难听,这些东西排练完了之后,收起乐器离开的一刻才是最美好的,所有演奏者都觉得特别痛苦。坚持几小时真心会折寿。我有次观摩看到排练结束时,经理还在讲话时,但是演奏家起身拿起乐器就走,我这才发现任何交响乐团不像人们想象的是个“艺术中心” 它是一个Business,也是一个对于劳工保护法和管理程序非常严格的公司,当完成了合同上要求的排练,音乐家有义务离开。

优点

美国五大团薪水(Boston, Chicago, Cleveland, New York, Philadelphia)
大约 2500美金/week 年薪13万美金。这些团每年有10周带薪假期,医疗保险 牙医保险,工作30年后有全额养老金 直到85岁,

在这种乐团里工作可能会被某些时刻打动,可能是坐在旁边的音乐家也有可能是独奏家,世界上最好的音乐家都会与BSO合作,帕尔曼,郎朗,马友友,任何你能想到的有国际声望的音乐家。这些时刻会提醒你,你真的在一个很特别的地方。

巡演机会:如果是在一流乐团,亚洲,欧洲,美洲,巡演是经常的事情,食宿待遇都要求是四星级以上宾馆,每位音乐家都要有单人间。

教学机会:如果比如在一流交响乐团工作,那么得到当地大学和音乐学院的职位并不困难,因为他们拥有丰富的实践经验,比如波士顿大学和新英格兰音乐学院里的很多教授都同时是波士顿交响乐团的演奏家。大都会歌剧院的首席小提琴同时也是茱莉亚音乐学院的教授。

宽松的时间表:通常交响乐团每周要上班八次,四次2.5小时的排练和四场音乐会。对,工作周里一周工作20个小时。星期天和星期一往往都没事儿~如果你没有在学校任教的话,可以在家和恋人待一起或者出去玩 都可以。

缺点

音乐家的“愤世嫉俗”心态
大家都受过非常好的教育,都在顶尖音乐学院里念了很多年书,大家的头号选择是独奏家,此等选择是室内乐演奏家,顶级交响乐团只是第三选择。并且在交响乐团演奏,音乐家并不觉得实现了个人价值,因为自己的声音被淹没在几十人的声音里了。并不能觉得自己的工作造成了多么独特的影响。

Music Performance是非常非常tough 并且充满着竞争的行业

有限的上升空间
木管和铜管声部往往一个职位就招两个人,比如第一长笛和第二长笛。而second position很难晋升为第一,因为终身制的原因。弦乐就更麻烦了,每个声部都有十几人,而首席有可能是30年前就在了,不到他彻底退休,别说从第5移到第1排,就连往前往前晋升一个谱台都是很艰难的。

始终要保持高水平
每日练习保持在交响乐团里的高水平演奏是一项很艰难的工作,个人的热身和练习每天都会花掉很多小时,当音乐家在假期,还是要勤奋练习来保持状态。

公众支持的减少
公众对于艺术的支持转移到了交响乐团以外的艺术形式,乐团运营越来越要考虑轻便,娱乐化,一些小型的交响乐团面临着严重的财务困难,并且干脆将全职音乐家职位改成兼职来减少支出。

乐团音乐家的幸福指数比较低。
原因:压力大,乐团内社交环境差,同行之间的关系往往不是很好,竞争远胜合作。并且这种工作没有什么创造性,表达自我,发挥才能的空间很小,让自己的声音和声部融合在一起才是第一位的。所以幸福指数不如作曲家。

音乐 古典音乐 交响乐 乐手 管弦乐团

克罗地亚狂想曲 的 著名评价 最初来源于哪里?

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大致评价内容时这样的“ 背景是饱受战争创伤的克罗地亚,想想灰烬中的残垣断壁,夕阳倒映在泪和血中,用明快的节奏描绘着悲惨的画面.乐曲建构在一个让人印象深刻的和弦的三音主题,在战火摧残后的断垣残壁中,开着一朵小白花,说不出名字的小白花,在风里微微的摇曳,它看着人们来来去去,看着战车,坦克威胁着要摧毁它的根与土,也看着鸟儿偶尔慌张驻足,想在人烟散尽的石缝中找寻一点面包屑......只有夜晚来时,它才看得到平静,在这块紧邻着亚得里亚海的土地上,这些年星光特别璀璨,想是霓虹,车水马龙已散去的缘故,这样的夜里,当然有一点点的悲伤,却是清静比悲伤多.曲子和弦美到了极至,每每用钢琴诠释时,心中总是泛起许许伤感或无奈,因为对这支曲子有着特殊的情感,现在却越发不敢去弹它,怕它钩起回忆,但是这也是我向上帝所祈求的. ”
很像一首小诗歌。。T T特别想知道源头。。。

这个问题,从最初诞生就是作曲家特意为马克西姆写的,作为马克西姆每次演奏会的必弹曲目,每次都弹,自然也就跟着马克西姆出名了,再加上难度不算顶尖钢琴曲,很多人学着弹奏。评价就是来源于马克西姆被世人认可后,曲子也成为了他的代表。在中国嘛,题外话,身边很多人甚至是因为节奏大师才喜欢这首曲子。个人见解。

古典音乐 钢琴曲 马克西姆(Maksim Mrvica)

如何评价贝多芬中期弦乐四重奏?

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贝多芬的晚期的几部弦乐四重奏已经被提及的很多了,对于中期的几部作品:
- Op.59, "Rasumovsky" 共三部
- Op.74, "Harp"
- Op.95, "Serioso"
各位有什么心得?

//个人觉得 Op.95 堪称结构严密的典范,简短而无任何音符多余.

Op. 59 No. 2 是所有贝多芬四重奏里演奏规格要求最高的一首,没有之一。任意比赛决赛拉好这首都能拿金奖。
Op. 59 No. 3 相比较其他中期四重奏算是小品,没认真练过所以不好评价。
Op. 59 No. 1 个性张扬,风格多变。在贝多芬四重奏作品中可以算是从早期到中期风格的完美蜕变。
Op. 74 中规中矩,推荐认真欣赏第四乐章。贝多芬的变奏曲作曲能力无人能及。
Op. 95 短小精悍,结构严谨,风格已经偏晚期了。

贝多芬这五首四重奏完全就是集古典主义之大成,开浪漫主义之先河的完美诠释。推荐除 Op. 59 No. 3 之外的所有慢乐章,细细品味。

古典音乐 贝多芬(Ludwig van Beethoven) 弦乐四重奏 室内乐

古典音乐的录音有哪些技巧?

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这事儿深了去了,足够写一本书了……
古典音乐的审美观念通常是建筑在厅堂内真是演奏的聆听体验之上的,当然越发展越有很多激进派走刺激路线,做得好的确实也让人惊艳一把。
还好这个题目提到的是不为人知的技巧,常识就不算一般人不知道的部分了吧……说几个抛砖引玉
往地下泼水——这事儿在很多专业书籍里边提到这种方式都解释成是因为携带了水分子的空气阻尼更大,潮湿的空气对高频传播性下降,从而带来一种额外的温暖感。但是其实适度对很多东西都起作用。我本来也是从小拉大提的,拉提琴的都知道其实在干燥的环境中会尤其影响琴的音质,过渡潮湿也会让琴的状态不佳,适宜的温度和适度才能让演奏和声音同样都变得流畅而舒适。所以泼水这事有作用肯定是板上钉钉的,国内外也都发生过也是一定的。不过对于木地板的录音棚或者音乐厅恐怕有两回就得换了…………
苦逼调律师——国外录钢琴专辑的一个常态,就是调律师是待命的,不论是演奏或者湿度温度的变化都很容易让钢琴变得不准,调律师的任务是保证几乎每一个瞬间钢琴音准状态的良好,而不是说调一次律用一年的那种。
教堂情节——很多古典音乐喜欢在教堂录制,不知道是不是又上帝庇护,一般教堂为了增加天降圣言的感觉,混响时间都在6秒以上,这个混响时间在理论上不适合大部分音乐演奏,因为混响声会掩盖后边至少一个乐句的清晰度……但是很多专辑录音依然喜欢选择教堂,不知道是不是因为拍照好看……典型的一个失败例子是指环王原声的录音就在教堂进行,听听那浑浊的声音……近场话筒也挽救不了6秒以上的混响……
厅堂有玄机——这是学声学的时候的几个案例告诉我的,曾经建筑师考虑过如何建成一个可变混响时间厅堂,通常在后台或者穹窿顶留有一个可开合的大空腔,通过开合空腔外的帘幕或者干脆就是硬质的反射来调整厅堂混响时间,虽然说混响不一定好听但是对于延长混响时间是立竿见影的。当然这个系统在录音棚不是通过空腔,是通过改变墙面材料完成的,手工翻转和电动都有,日本NHK的录音棚就是通过改变墙面材料电动控制混响时间的。
抛砖引玉,先就想起了这么多,再想起来再补充。

古典音乐 录音 录音室 录音师

维也纳新年音乐会每年对外售门票吗?具备什么条件才能进场观看?

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有机会很想去听一次

感谢@hanzhenhe 的回答,相关信息请参见wienerphilharmoniker.at 1月2号会在该页面开放注册

维也纳新年 音乐会的门票是抽签产生的。在一定时间内,在VPO主页上可以下载申请表,每人只限填写一份申请表,多次填写无效;每张申请表上最多可以申请两张门票。且 申请时间与抽签结果不发生任何关系。在申请表内可以申请三场维也纳新年音乐会中的任意一场,以及任何坐席的门票。

古典音乐 维也纳新年音乐会

巴洛克时期为什么叫“时期”(era)而不叫“主义”(-ism)?

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巴洛克音乐也是西方古典音乐史中十分重要的时期,但是正如之后的古典主义、浪漫主义,为什么巴洛克时期的音乐不命名为一个“主义”呢?如果说巴洛克时期的音乐本质上并没有统一的思想,那么现代主义和后现代主义亦没有啊。

因为古典主义,浪漫主义,现代主义,后现代主义都是历史上存在过的思潮。历史上不存在“巴洛克主义”这种思潮。
没有哪个时期的音乐有“统一的思想”。

古典音乐 西方音乐史 巴洛克音乐

为什么有的音乐识别软件不能很好地识别古典音乐?

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比如Shazam和Midomi都只能识别流行音乐

音乐识别软件分两种,一种是基于旋律相似度的哼唱识别(query by humming),这种软件只匹配旋律包络和音色序列,不用原版录音就可以识别出曲子。比如soundhound和音乐雷达。

还有一种是基于乐纹检索(music fingerprint)的应用,它的特点是一定要原版录音(record)才能匹配,也就是说你只要播放出源文件(无论环境如何嘈杂)他就能识别,比如shazam和gracenote。

第一种的优点在于,哪怕是我拉的梁祝,他也能知道我在拉什么,只要我不走音且环境安静。但是缺点是如果环境音嘈杂影响了旋律音符检测的结果,那就不能识别歌曲了。

第二种的优点是,无论多嘈杂的环境只要放出的是原版录音,无论环境再吵闹也能识别。所以经常能看到电视电影里做广告有时候右下角会出现shazam的标志意思是告诉你“我们的app能识别这个广告,请拿出你的手机扫一扫”。但是脱离了原版录音,就很难识别出原曲了。

再回到你的问题,古典音乐录音种类繁多,你所听的录音也许与shazam和gracenote数据库里的乐纹数据不是一个版本的录音,又或者你听的是live演奏。那自然是识别不出的。

下一次,可以试试看soundhound或者我们国人自主研发的音乐雷达

古典音乐 音乐识别

音乐应该有标题吗?

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音乐史上一直有两个观点对立的派别。一派认为音乐必须是有内容和标题的,必须是有具体指涉的。瓦格纳的音乐巨细无遗,哪一主题代表齐格弗里德,哪一主题代表布伦希尔德都清清楚楚;柏辽兹更胜一筹,这一段是罗密欧与朱丽叶在互诉衷肠,那一段是艺术家走向断头台;马勒则豪言万丈:“交响曲应该囊括整个世界。” 法国人德彪西先生恨不得给自己每一首作品都加上标题,俨然“标题狂魔”。
另一派则以标题为耻,认为音乐是一个自洽的逻辑系统,如同包括语言文字在内的人类其他表达方式一样,能够自己解释自己,不需要再借助别的方式来解释它。勃拉姆斯标榜自己的音乐是纯音乐,从来不给自己的作品加上任何标题,尽管已经有人给他的四部交响曲都加上了标题:第一是“贝多芬第十”,第二是“田园”,第三是“英雄”,第四是“悲剧”;西贝柳斯在那场与马勒的著名会晤中说道:“我追求的是足以创造所有动机之间相互联系的深刻逻辑,交响曲的魅力在于风格的简练。”
我自己觉得这两方都有道理,想请问诸位知友和乐友如何看待这个问题?欢迎各位讨论。

音乐应该有标题吗?
其实问题的关键在于这个作品的品鉴,需不需要传达一定的音乐形象。这和听众本身的素养息息相关。另一方面,一些音乐的标题,对作曲家的音乐表达,亦有其特殊的价值。

总体而言,好的标题能帮助更好地构造音乐形象,比如《运动员进行曲》;
牵强附会的标题就只能呵呵了。

首先是听众在作品建构中的价值。
一方面,所谓意义产生于听众,俗称“作者已死”。

以下借鉴文学批评的理论:

符号学认为,文本是“以一种符码或一套符码通过某种媒介从发话人传递到接受者那里的一套记号。”(史柯尔斯《符号学与解释》)

最广泛的界定是后结构主义,认为“文本无所谓构造。文本中的一切都一次次得到意指和多次运用,文本没有一个极尽的整体,也没有终极结构。”(巴特《S/Z》)

“一切都始于再生产。”(德里达《弗洛伊德与书写的意味》

“一个民间文艺作品……既有相对稳定的组合形式,也有在创作者看来是明确的内涵,但其意义的生成却常常依赖于符号发送者与接受者的互动。”(陈建宪《略论民间文学研究中的几个关系——"走向田野,回归文本"再思考》)

其实我并不觉得,其他人对音乐作品意义的品读,和作者对作品本身的创造是矛盾的。即便有时创作者自己未必意识得到他不经意的流露。

另一方面,标题的意义可分几种情况:
第一,写得好,又走音乐形象的路线,而非单纯的理念表达或情绪抒发的话,(区别于那一部分抽象的现代艺术)那应该还是能听得出音乐形象的吧。(譬如《四季·春》的画面感实在也太强了!)
这时,合适的标题一般能(从内容上和对情绪上)带来引导性的提示和帮助,内容上如《电闪雷鸣波尔卡》,情绪上如贝多芬的《悲怆》。

我们也应该注意到,语言具有一定的局限性。
辞不达意在艺术作品的转译中是一种并不少见的情况。
节奏,结构,旋律是音乐的词汇。所以,没必要非得转成语言。(包括命名)
音乐的表达若足够,懂的人自然懂。
"That‘s it.“绝对是一种对音乐理解契合,而觉得心灵相通的默契啊。
(见纪录片《随性自然——切利比达克的音乐哲学》中文字幕
但这相对于有标题而言 ,是对听众水平更高的要求了
这也是应不应该加标题,要看听众的第二部分。

其次,对创作者和作品而言,
并非所有的音乐都需要情节和解释作支撑。或者说,不走音乐形象的路线。
这种情况下,标题对音乐形象的提示作用就了。
或许还会对意义的理解起反作用(强赋的意义也实在很无趣啊)。

不过,在一些现代音乐中,标题也具有了一些新价值。。
有时标题就干脆转换为对“表达"的解读,如乔治・格什温《蓝色狂想曲》动画版
而有时,标题就更加消解对音乐惯常的理解,并增强了音乐的象征意义。
比如著名而反叛的全程静坐、寂静无声的钢琴作品4分33秒_百度百科
这实在让我想到杜尚的《泉》啊哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈。

当然,对作品的传播来说,
标题的意义在于,有标题比单纯的作品号更方便记忆,也方便流传啦。
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在这里推荐一部拉赫玛尼诺夫的纪录片悲歌:拉赫玛尼诺夫 (豆瓣)
希望能特别关注下纪录片中的每一个画面及所涉及的文字对音乐本身的转译,个人认为非常贴切。
(居然能精确到一个几秒钟的音乐片段带来的环绕感和水面波纹的对应,实在令人赞叹不已 )
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以上我回答的问题是,音乐应该有标题吗?

以下是科普部分:
一方面,音乐的标题,有些是作曲家起的,有些是出版发行人起的,还有一些随后世发展而出现的一些奇奇怪怪的版本。另一方面,“标题音乐”和“无标题音乐”(或者“绝对音乐”)是有专业指代的。

参维基百科:

标题音乐,是指来源于非音乐因素的音乐,其主题可来自于电影诗歌绘画雕塑自然技术等。

相对于绝对音乐,标题音乐是由非音乐因素激发创作而成的,作曲家会以标题,大纲或提要的形式着明其含义。广义来说,电影配乐也是一种标题音乐。


无标题音乐是指无明确主题及内容的音乐。

在音乐界,有些音乐家和音乐理论家反对标题音乐,他们认为标题音乐用文学性的东西给听众一种暗示,把听众引向一个相对确定的范围内,而无论什么样的标题都不能全面的反映一支乐曲(尤其是交响乐)所表达的丰富内容和感觉。

这些倡导者认为无标题音乐可以更好反映音乐的内涵,不同的人听到一首无标题的乐曲,所感受的心理内容是大不一样的。


下面举一个非常可爱的例子,来说明我的观点。

继续参维基百科。

莫扎特的《小星星变奏曲》(原名12 Variationen über ein französisches Lied “Ah, vous dirai-je, maman” ),是在当时在当时法国流行的爱情歌曲《妈妈请听我说》(“Ah! vous dirai-je, maman” )的基础上创作的变奏曲。


我们所熟知的童谣《小星星》,是一首将同一首法语歌作为原型的英国童谣。但歌词出自于珍·泰勒(Jane Taylor)的英文诗《小星星》。此诗第一次出版于1806年,那时,莫扎特已经逝世了。所以,莫扎特可能根本不晓得小星星这回事儿嘞。


但依然不能否认,这种标题依然很贴切美好哟~


更于2014.3.28

音乐 理查德·瓦格纳 古典音乐 马勒 德彪西

有哪些好听的小提琴曲子推荐给乐盲?

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方便的话请给出具体的曲目名称及试听链接,谢谢!

应提议,制作了一份虾米的歌单。
Violin
其中基本是按照歌单标签的顺序渐进的。有并喜欢的风格或者曲目可以跳掉一两首。限于曲目限制,没有将所有曲目排列上去而是进行了一定的精选(都是私家珍藏~)。最后的几首曲子都比较炫技。纯粹展现技巧的作品我一般不会推荐给不会小提琴的人听,所以只挑选了几首还是很好听的,不过到了这个层次的作品虾米上面资源也难找了,所以没有放太多,不过想来喜欢听这类的听众也都会有自己收集资源的地方了。
希望诸君享受

音乐 古典音乐 音乐人 小提琴

贝多芬第九交响曲的合唱乐章(第五乐章)哪个版本最受好评?

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贝九到底是分四乐章还是五乐章一直是个挺有争议的事,没有很公认的标准,不过据我所知大部分唱片还是分成4乐章的。卡拉扬的贝九倒是很傲娇的分成了5乐章,不过卡爷向来是分曲狂热爱好者,一首马九居然分了29段出来,搞得我当初为了分清楚哪段旋律属于哪个乐章差点抓狂

lz应该是想问贝九单纯的合唱部分最受好评的版本有哪些。

据我所知的:

富特文格勒1942年3月melodia版贝九(个人最爱)

富特文格勒1951年著名的拜罗伊特贝九。前三乐章效果差强人意,但是最后一乐章可谓震古烁今

伯恩斯坦1979年版。之所以不推荐89柏林墙版是因为丫居然改了歌词。。

索尔蒂CSO版。注:这是录音效果最好的贝九版本+我个人认为立体声贝九里最接近富特贝九境界的版本,强力推荐整首

卡拉扬1963版。前三乐章个人极度不推荐,感觉卡爷指挥得太平淡无味了,但是这个版本的合唱部分还是有口皆碑的

不要管什么“比较版本没有意义”之类的论调。正是因为热爱一首曲子,才会操心比较各种版本的细微差别。我自己就存了十几个版本的布八我会乱说?自己多听,选出最喜欢的一个版吧

最后,警告一声,千万别去听切利版贝九合唱。。

音乐 古典音乐 贝多芬(Ludwig van Beethoven) 交响曲

如何迅速适应三角钢琴?

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题主给班里合唱比赛做钢伴。最后特等奖要到校艺术节表演。学校小剧场有台三角琴,然而苦逼的题主弹了十一年钢琴并没有碰过三角。题主自认为适应能力较强(LOL)能够迅速上手各种音色手感奇怪经久失修的立式琴和各种力度感应爆炸的电琴0.0然而这次在正式表演之前只会有一次彩排机会 啊好崩溃

所以大家有什么建议呢(☆_☆)

卸腰

本人四岁学琴到现在也算快20年了 无论在琴房还是家里都是用的立式琴。但是上了大学,老师上课包括演出都是卡哇伊的大三角(听说学校买了架施坦威但是还没看到哈哈)
刚开始确实不太适应但是真的弹多了就无感了。

其实不管是什么事都是这个道理 见怪不怪了手自然熟了。

换琴无非是要适应三个事情
1.琴键 取决于钢琴的材质 品牌 新旧程度
举例来说:个人感觉在新旧程度一致的三角琴品牌来对比;日产的比国产的软,雅马哈的比卡哇伊好上手(因为榔头敲击琴弦的方式不同,卡哇伊的琴键底部还做了处理,比雅马哈的略微硬一点点)施坦威比日产的硬但音色,简直是天堂一般的美妙。
2.音色 依旧取决钢琴的材质品牌以及是否调琴了
曾经参加艺考 弹过无数架跑音跑到姥姥家的好琴。。。(真不知道是学校疏忽了还是故意为之)
3.踏板
尤其是踩弱音琴键会移动这点。。。好多人表示第一次弹三角碰到琴键移动都懵逼了哈哈哈
但是我看你说是要参加合唱伴奏应该用不着这个踏板所以没啥问题。

音乐 钢琴 古典音乐 钢琴表演

20岁之后开始学习音乐,有可能成为一名作曲家吗?

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我从小学开始就是忠实的古典音乐爱好者,但除了大量找CD来听,自己闲下来回想全曲之外,没有受过任何正规的音乐训练,只是一直抱有一些成为音乐家的念头。我如今在大学念物理,虽然很想让自己成为基础学科的研究者,但却没任何要为此献身的热情。对于音乐这种严重依赖童子功的学科,想要成为器乐演奏者已经几乎无望了。但我还有可能在20岁开始学习,并成为一名作曲家吗?
PS:盘点下现在拥有的音乐技能:1.我有绝对音高 2.虽然在学习之前不知道如何表述,但音程和和弦的听辨,旋律的模唱压力不大。3.可以脑补各种乐器的演奏和它们的和声,但不知道如何把记忆里的曲子打成谱子

可以
请马上出国,想办法接触最系统的传统作曲理论和当代作曲理论,每天练琴8小时以上锻炼好基本功,跟最牛逼的作曲学生混在一起,了解最新的作曲动态,尝试各种风格的作品写作。

还有不要对任何一种风格持有偏见。

大部分人都不知道国内的作曲专业教学方法、还有学生糟糕到什么程度。

音乐 古典音乐 职业规划 作曲家

怎样选择工作中伴奏用的背景音乐(兴奋剂)?

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個人觀點;就我自己而言,過往我一向選擇這三張古典風格的音樂碟;
1984年《Vivaldi - The Four Seasons, Op.8, Nos1-4》小提琴樂曲;
2004年《 Frédéric Chopin: Mazurkas, Valse & Autres Danses 》肖邦鋼琴曲;
1988年《 Bach: Goldberg Variations 》巴赫鋼琴樂曲
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Cite:《南都周刊》2013年度第17期 P90《工作好聲音》

>> 「 每分鐘60拍的古典樂
巴洛克古典音樂華麗的樂器及編曲,使人們格外關注這種音樂對於智力開發的可能性。(這有可能嗎?)

Wiki: 巴洛克音乐
在工作效率專家兼暢銷書作家 David Allen 的論壇上,他的粉絲發帖說他本人比較欣賞維瓦爾第的《四季》、巴赫的《勃蘭登堡協奏曲#3》以及其它巴洛克音樂;
而論壇上的另一位發帖者提供了更加關鍵的建議:每分鐘大約有60個拍子的古典音樂系最適合的工作背景音(BGM)

>> 「 聽啥
一、古典
莫扎特的《 D 大調小提琴協奏曲 #7》《 A 大調小提琴協奏曲 #5》
貝多芬的《 D 大調小提琴協奏曲》
柴可夫斯基《降 B 小調鋼琴協奏曲 #1》
巴赫《 G 弦上的詠嘆調》《布蘭登堡協奏曲》
勃拉姆斯《 D 大調小提琴協奏曲》
二、環境音樂
Vitamin String Quartet 樂團的作品
Brian Eno 的《機場音樂》
三、有色噪聲(colored noise)
蘋果電腦用戶:「White Noise 的页面
微軟電腦用戶:「 ChatterBlocker
四、網友意見
收聽法文外語電台
電影《銀翼殺手》的原聲碟,來自音樂家 Vangelis 作品 - Blade Runner

>> 「 興奮劑 OR 噪音
A:步行者;B:車載;C:教育;D:營銷;E:電腦;F:藝術

A01- 建築工人
推薦:經典搖滾;重金屬
反對:環境音樂;巴洛克(古典音樂)
A02- 運動員 or 教練
推薦:朋克;Rap;搖滾
反對:波爾卡;懷舊
A03- 咖啡師 or 調酒師
推薦:經典搖滾;鄉村;迴響貝斯;獨立搖滾;爵士;懷舊;流行;雷鬼;搖滾
反對:朋克;重金屬

B01- 自行車
吐槽:你的耳朵還是留著注意聽馬路上的聲音吧!(同感啊)
B02- 四輪驅動 or 巴士司機
推薦:巴洛克(古典音樂);爵士;懷舊;流行
反對:重金屬
B03- 十八個輪子 or 長途貨運
推薦:搖滾;重金屬;朋克;電音(迷幻舞曲);迴響貝斯
反對:環境音樂

C01- 幼兒園
推薦:巴洛克(古典音樂);波爾卡;鄉村
反對:重金屬;搖滾;電音(迷幻舞曲);朋克
C02- 初三 or 考試團
推薦:迴響貝斯;獨立搖滾;流行
反對:重金屬;懷舊;波爾卡;柔和爵士;電音(迷幻舞曲)
(我猶記得當年中考前熬夜聽周杰倫的《夜曲》現在基本不聽流行了…真系老了。)
C03- 大學
吐槽:你在大學裏教書,就說明你的知識對於學生們的靈魂來說是最好的音樂。這裏不需要別的音樂了。(《南都周刊》的編輯真會吐槽啊…)

D01- 唱片
推薦:環境;迴響貝斯;重金屬;獨立搖滾;爵士;朋克;Rap;雷鬼;搖滾;電音(迷幻舞曲)
反對:無限制
D02:百貨
推薦:輕柔爵士
反對:其它

E01- 數字工作者
推薦:巴洛克(古典音樂);爵士;懷舊;波爾卡;流行;Rap;柔和爵士;電音(迷幻舞曲)
反對:無限制
E02- 代碼工作者(程序猿)
推薦:爵士;搖滾;流行;電音(迷幻舞曲)
反對:重金屬;朋克

F01- 藝術工作者
推薦:環境音樂;巴洛克(古典音樂);爵士
反對:無限制

>> 「電台」
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