如何理解pogorelich的诠释是基于“充分尊重乐谱”的?

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他的演奏(主要说1996以后)怎样体现了该理念?我想要具体某句或某乐段的例子,他的那些”看似大不同“蕴含了哪些对乐谱深层次的理解?真心跪谢
我有他很多bootleg, 必要的话可以拿出来

如何理解Ivo Pogorelich的诠释是基于“充分尊重乐谱”的?

没想到我在知乎的首次回答和首次被邀请,竟都与波哥有关,说来还真有一种莫名的激动。

人们对波哥诠释的争议,很重要一方面与“照谱演奏”有关。音乐的创作常被分为两个维度:作曲(最侠义层面的音乐创作)和演奏。除去两者同为一人担当的情况,在作曲的基础上进行的演奏,需要对前者进行充分的尊重。换句话说,演奏者的演奏在尊重作曲者的基础上才有意义[1]。而乐谱作为作曲者乐思的最直接体现,尊重乐谱也便成为了尊重作曲者的一个重要前提。

那又该如何尊重乐谱呢?答案就是我们常说的“照谱演奏”。狭义上的“照谱演奏”是谱面上标什么,就要严格奏什么。但不少朋友被这一认识圈住了,以为音乐演奏只能严格遵照谱面进行,而演奏者的二度创作空间是绝对不能延伸到这里的——这就导致了面对波哥演奏时的疑惑。的确,严格遵照谱面是对每一名演奏者的原则性要求,即便是在有时被标榜其音乐无需“照本宣科”的古琴领域中,这同样是一个原则性要求,只是由于传统古琴记谱的缺陷,遵照传统古琴谱演奏的音乐才看似比遵照五线谱演奏的音乐更“灵活”。但通过严格遵照谱面就真能达到尊重乐谱、尊重作曲者的目的了吗?我们需要注意到:1)五线谱的记述即便再精确,也不能做到百分之百地精准表达一段乐音或作曲者的乐思;2)作曲者自身在作曲时就可能未对其音乐做出严格限制,允许变通或被适当揣摩[2];3)严格“照谱演奏”,可能反倒不能更好地体现谱中的乐思(详例见下方例一)。以上三点,不仅使得绝对的严格“照谱”不存在依据,同时也意味着基于严格二字的侠义“照谱演奏”观并不一定能很好地达到尊重乐谱、尊重作曲者的目的。这时再回到波哥这里,则能发现他的不严格“照谱”,实则是用一种广义的“照谱演奏”,对原谱进行一定变通,不但能有效解决上述缺陷,还有助于表达情感、营造氛境,扩大二度创作的空间并使之与一度创作相融合。该广义又是何意呢?一是其变通是在原谱的基础上进行的,不存在“改编”甚至“篡改”;二是这些变通的做出都有其合理原因。具体什么样的原因算合理,对这一问题的解答,则决定着广义二字的范围。而至于波哥自己是如何回答的,我不敢妄言,下文例子中所注原因,也只是我个人的推测。总之,波哥的诠释意在解决尊重乐谱的问题,而非制造不尊重乐谱的麻烦,故应该视为“是基于‘充分尊重乐谱’的”。

下面就是一些不严格“照谱演奏”,看似不尊重乐谱的例子,以及我对其背后原因的推测。由于我对波哥的CD更加熟悉,就暂不举包括1996年以后的布特莱格的例子了,还请见谅,但依照上文所提的广义的思路去理解,可以认为波哥在1996年之后和之前的演奏是相通的。


例一:

出处:贝多芬第32钢琴奏鸣曲,op. 111,第二乐章,结尾处。

画圈处左手应继续按住不动,但波哥却轻轻地补了一下音。

原因:此时左手按音的音量过低甚至快要熄灭,可以说在实际上已经变成半个休止符了。这种变通能够更好地体现贝多芬原本的乐思。

附注:有趣的是,补音在古琴领域中有时已上升为一种哲学上的错误。什么是古琴?古琴就是在不该灵活处强词灵活,该灵活处强词不灵活。噫。

例二:

出处:肖邦夜曲,op. 55 No. 2。

在全曲多处左右手需同时奏响的地方,波哥有意将两者细微并明显地错开。

原因:这样做可以更加分明地表现各声部,同时营造一种特别的效果。

附注:类似的奏法还出现在波哥演奏的勃拉姆斯幕间曲,op. 118 No. 2

以及穆索尔斯基图画展览会(第九幅画)等乐曲中。

例三:

出处:同上,肖邦夜曲,结尾处。

波哥未按照in tempo(回原速)术语演奏,而越弹越慢。

原因:这样做实际上是在延续之前的气息,不断变静,直至全曲结束。回原速演奏可能会对结尾的氛围造成破坏,而这可能并不是肖邦的本意。

附注:波哥对这首肖邦夜曲的气息控制得极为大胆和细腻,并同他的其它演奏一样,精细到对曲中每一个音的处理。波哥的乐曲是具有说服力的,而我们评价音乐家也应主要从音乐的角度切入,包括所谓思想方面,也应主要从音乐思想的角度切入。只可惜靠花言巧语、论资排辈来提升自己、打压别人这类的事情——

例四:

出处:肖邦第二钢琴奏鸣曲,第一乐章,起始处。

波哥未按照踏板符号演奏。

原因:在这里踩踏板会让左手奏出的声音变得浑浊。变通地不踩踏板,得以让每一个音都清晰地展现。

附注:类似的处理方法还出现在波哥演奏的勃拉姆斯狂想曲,op. 79 No. 1等乐曲中。


二、

上部分更偏重于从理论上理解波哥的诠释,下面我想从其它方面再谈谈。

先从其个人方面斗胆揣摩:波哥为什么会如此“任性”呢?我以为这是因为他在音乐上并不会顾及他人的喜好而妥协的缘故。也许他在1980年肖邦大赛中的遭到淘汰,对这有一定的推动作用吧,毕竟过硬的实力,且有两场大赛冠军的担保,居然还不及台下评委写的几个数——可以想象这对一个信心满满、志在必得的少年会有怎样的影响。当然这只是猜测。回过来,说波哥在音乐上并不会顾及他人的喜好而妥协,并不等同于他不尊重听众。相反的是,作为一个在音乐上认真、严肃的人,波哥力图带给听众最好的音乐。可就是因为他在音乐上的认真、严肃,他才不会因为别人喜欢与否而违心改变自己对音乐的理解、诠释,去妥协与迎合。人们当然能去挑战他的理解与诠释,但大概也只有过他妻子一人。克扎拉兹女士不幸病逝后,似乎唯一能够“制约”他的力量也没有了。

简言之,从一定程度来说,波哥在音乐上是绝对优先地考虑音乐本身的。能这样做,不仅说明波哥对自己的音乐能力有充分的信心,而且意味着他不会以牺牲音乐为代价去换取别的东西。

可是,波哥的“任性”在另一方面似乎仍说不通:他并不认为自己“叛逆”,有时却演奏得太不“寻常”;他的演奏能比他人更准确地照谱进行,有时却又比他人更“大不同”于原谱。对此,我认为可以这样理解波哥的思路:1)“叛逆”“寻常”与否,并不是首先要考虑的;2)准确照谱演奏是原则,但为了音乐的需要,则在需要变通处果断变通;3)至于所诠释的同别人相近也好,不相近也罢,并不在乎;4)这一切都是为了尊重原谱,更深入地发掘作品。说到底,还是因为波哥在音乐上不会顾及他人的喜好而妥协,只要是自己认定的,便去这样认为、这样做。也许在其他演奏家中也未尝没出现过一些看似“任性”的见解,但就是这看似的“任性”,是否要向他人迎合一下、妥协一下也便被提上重要议程了。

再从我们听者的角度看,为什么我们有时会难以接受波哥的演奏呢?除了无论如何都接受不了外,不少朋友其实只是卡在了“预设”的问题上,即当聆听后的感觉与预设不符,就会对这一演奏产生抵触。我不懂心理专业,但我认为这大体源自人在思想上的懒惰。毋需忧虑的是,这只是一种消极的懒惰,与保守这种积极的懒惰还不同。只要我们意识到了思想在偷懒,主动去摆脱,则我们距理解波哥的音乐、以至理解任何其它风格、其它类型的音乐就都近了一步。

我并不是一个以貌评判音乐的人,但看到波哥从早年照片中的英俊,到了近照中的苍白,却仍不禁心寒起来:这就是一个认真对待音乐、对待艺术的人应有的结果吗?的确,波哥在音乐上太不妥协了——

但音乐又是能妥协的吗?


[1]对原谱进行改编的演奏者,其自身也成为了作曲者之一,在此暂不展开谈。

[2]较明显的例子是,肖邦就曾在其学生的书本上标注其作品的变通形式。

2016年3月9日 答

2016年3月11日 最后修改

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两万左右的钢琴珠江凯撒堡和国产的雅马哈哪个更值得推荐?

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珠江凯撒堡系列有很多推,国产雅马哈也有很多人说要比国产琴好点,是国内独立工厂生产的。还有这个价位(两万左右)的卡哇伊褒贬不一。所以现在有点迷,求指点一下。

卸腰

国产的钢琴3万以下的买啥其实都一样。这玩意实实在在的一分钱一分货,不用太去考虑性能问题。学会保养比挑个好琴更重要,初期选琴的目的是耐操,所以买的时候各踢一脚,买那个动静小的就完了。等你准备拿出至少10万来买琴的时候,我再跟你推荐和分析不同品牌的差别,目前来看完全没必要。

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被自己的钢琴老师屏蔽了朋友圈,心塞至极,怎么让自己平静下来不想这件事?

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老师大二教的我,是个大美女,学历高,颜值高,现在我毕业了,还在每周一次的跟她上钢琴课,最近发现被她屏蔽朋友圈了,心里好难受=-=上周还交了学费,帮她买了一瓶剁椒酱呢,好端端的就屏蔽我=-=怎么破,求疏导。

一般是,学生加我微信看到我朋友圈后


统一都认为我是个傻逼
【哭晕在琴凳下……
说好的高冷呢:)
所以我在考虑以后要不要把学生都屛了算求……………………

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李斯特的钢琴演奏水平有多高?

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Alfred Brendel在Musical Thoughts and Afterthoughts (Noonday Pr,1991)中如此评价李斯特:李斯特是音乐史上最不可思议的革命者,有着大胆的和声、清新的抒情性、无法效仿的键盘音色,以及不可超越的技巧。他是一位具有崇高境界的全能演奏家。

在Patricia Fallows-Hammond编注的《钢琴艺术三百年》中这样论述:李斯特作为指挥家、作曲家、管理者、钢琴家所作的贡献包罗万象,从而已接近于实现其音乐应具体地表达出整个世界的梦想。

李斯特被普遍看成他所处时代最伟大的钢琴家,被誉为“大师中的大师”,他将钢琴技术发展到了物理上可能的极限。他的“超级技术”探索了钢琴的每一种可能,并继续向交响效果方向推进,他有时使用三个谱表来表示这种效果。他要求双手对所有种类的弹奏都要同样有力----八度(他长长的手指弹十度就像弹八度那样轻松)、和弦、重复音、以前所未有的速度经过的颤音,自由而适意地使用键盘的两端。

在他的手中,钢琴宛若十指间的玩具,却能肆意造出整个管弦乐队的交响效果。相比音乐上的创造性,仅评价他的演奏水平因小失大,过于简单粗暴,那些令人玩味不已的炫技作品也常常遭受诟病,可对此指手划脚的“纯演奏家”们对他史诗般的激情、圣徒般的悲凉又了解多少呢?

那些如宝石般璀璨的炫技风格作品充分体现了他在音乐思想上的扩展和创新,每时每刻响彻在世界各地音乐厅的上空,它们包括:

题献给克拉拉·舒曼的《帕格尼尼超级练习曲》Transcendental Etudes after Paganini R.3a(1838)该曲集被认为是钢琴独奏最难的曲集之一,共有六首练习曲:《G小调震音练习曲》、《降D大调八度练习曲》、著名的《钟》、《E大调琶音练习曲》、《狩猎》、《A小调主题与变奏》

三首夜曲《爱之梦》Liebestraum No.3 in A flat R.211(1850)流行最广的是最后一首,改变来自李斯特自己的歌曲。

《梅菲斯特圆舞曲》Mephisto Waltzes

除此之外,被广泛演奏的李斯特作品还包括:《匈牙利狂想曲集》、《西班牙狂想曲》、题献给罗伯特·舒曼的《B小调奏鸣曲》、《降E大调第一钢琴协奏曲》、《A大调第二钢琴协奏曲》、《幽灵曲集》等等。

李斯特作为一位巨星般的钢琴家,有许多八卦和桃色故事,这些东西也成就了他极度成功的演奏生涯,所到之处皆疯狂,背后的推手竟是一位名叫贝隆尼的乐谱抄写手兼仆役。李斯特可以被称为历史上第一个音乐会明星,而贝隆尼则是明星制度的创始者。

午饭时间到,有空再来添加“李斯特宣传术”、“欧洲鼓掌部队”和“李斯特狂热”。。。

写到这里才发现自己也变成一个哈李斯特的狂热分子了,瞧,李斯特就是这么被玩坏的!^ ^

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Glenn Gould 的演奏有哪些缺憾?

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最好能在介绍时附上相关录音资料

推薦聽他彈的萧邦第三鋼琴奏鳴曲第一樂章,1'43'' 處仿若《讓我們蕩起雙槳》:

d.pr/HuM

不能說缺憾,但非常搞笑。Monty Python 式的搞笑。

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以下是對胡天翼的答案的回應。首先,Pogorelich 那說的是自己吧,「晚年變得愈來愈挫折,最後以不正常的方式錄音」,把錄音換成演奏就是 Pogorelich 了。有現場錄音為證:

lawrencelry.tumblr.com/

關於「標新立異,不惜曲解」

首先,承認吧,我們確實沒法知道作曲家是怎麼想的。我們可以詮釋、可以試圖接近,但如果僅僅因為彈法跟大多數鋼琴家不一樣,就視之為曲解,是說不過去的。

跟時尚界、技術界一樣,鋼琴演奏也有潮流。樂譜上怎麼標的就怎麼彈,這是二戰後漸漸興起的潮流。十九世紀、二十世紀初的大師們都是非常隨性的,別說譜子上的表情記號了,在曲子開頭加一段樂譜上完全沒有的花都不是稀奇事(有 Vladimir de Pachmann 錄的肖邦「黑鍵」練習曲為證)。曲子寫出來之後就是自足的生命,跟作曲家無關了。主張忠於樂譜的,並不見得就比主張自由發揮的要更真誠。

古爾德恰恰是罕見的真誠的演奏家:對自己真誠,而不是對某種演奏風潮真誠。我們可以注意到,儘管有「熱情」奏鳴曲這種劍走偏鋒的演繹,但也有「月光」這種完全「正常」的錄音。他對待鋼琴演奏這件事有自己一以貫之的邏輯:結構第一、對位第一、所有東西都可以成為旋律線條,而不只是過場的花邊段落(胡天翼貼出的「熱情」奏鳴曲中開頭對顫音的處理、1'01'' 開始的那一段就是典型例子)。

另外有一個事實錯誤:古爾德看不上的是莫札特的晚期作品,莫札特早期奏鳴曲他很喜歡的。

關於「缺乏低速彈奏時的解析能力」

這說法跟事實就正好相反了,有他錄的鋼琴改編版貝多芬「田園」交響樂第二樂章為證:

lawrence.li/upload/musi

關於「對慢節奏曲目缺乏溫暖人心的情感」

這是一個很常見的誤解。以胡天翼列舉的兩段錄音為例,事實上 Lipatti 的彈法遠比 Gould 更現代。最能說明這點的細節:Lipatti 把和弦彈成和弦,Gould 則是分解為琶音。後面這種彈法在 20 世紀初的鋼琴大師那裡很常見(Rachmaninoff, Pachmann 等人)──沒有甚麼人比那批大師更不現代了,雖然他們生活在現代主義濫觴的年代。

Gould 不怎麼彈十九世紀的浪漫派作品,而且自稱最後一個清教徒,這都容易讓人產生「冰冷」、「沒有情感」的印象。但在演奏細節上,他恰恰用了很多浪漫主義鋼琴家的彈法。這種彈法是古舊的(quaint),而不是現代的。聽一下他彈的 Richard Strauss 奏鳴曲、拉威爾的 La Valse、或是瓦格納的曲子,跟冰冷完全不沾邊的。

相反,Lipatti 的版本傳遞出的才是一種抑制過的感情。他是非常克己的。

關於「只會做減法,不做加法 」

如果說這裡的減法和加法僅僅指的是裝飾音的話,可以說沒有誰比 Gould 更加精研裝飾音的藝術了。他會在反復的段落中採用不一樣的裝飾音處理,而且有很多非常新奇而合理的彈法,這在 1981 年版的 Goldberg Variations 的 Aria 里非常明顯,只要對照樂譜聽一遍就知道。

音乐 钢琴 古典音乐 格伦·古尔德(Glenn Gould) 演奏 艺术风格 版本比较

有没有办法很快学会一首钢琴曲?

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我有钢琴,以前也学过几个月的小汤,可是我觉得我真的不是学音乐的料,别人弹几遍就会了的曲子,我可能得花上半个小时才搞定。现在没课上了,没有老师看着我就更不上紧了,每天就是那几首最简单的练习曲自己弹着玩。但是我又很希望自己能弹一首优美的曲子,一来可以给男友过生日的时候听听,二来可以必要时装逼用,三来我钢琴都买了要物尽其用,希望有大神能教我速成的办法,我识谱,只是双手配合比较差。

建议献上四分三十三秒作为生日礼物

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弹奏巴赫的作品时如何体现「严谨」?

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谢邀

我认为「严谨」应该是指忠于时代、忠于作曲家和忠于作品三个方面,不仅是巴赫的作品,古典主义时期、浪漫主义时期及之后的音乐,也应该「严谨」,包括「rubato」也是一定限度的弹性而不是完全的自由。

言归正传,说说巴赫。
1、忠于时代
巴赫是巴洛克时期的大家。「Baroque」原意为「不规则的珍珠」,言下之意就是有很多装饰性的材料、有即兴的成分在其中。这个时期的音乐强调对位,强调调性,和声连接严格,音乐中运用了很多半音阶,还有不停地转调。

巴洛克时期的作品是可以在演奏时自己添加装饰音的,所以就必须去研究那个时代的装饰音的特征以及作曲家的特征,才能做到严谨演奏装饰音。

另外还必须提到那个时期的乐器。巴洛克时期的键盘乐器为羽管键琴,法国的羽管键琴有两个键盘,两根弦一根羽管,音色细腻,琴键敏感度高,而意大利的羽管键琴只有一个键盘,一根弦一根羽管,这种琴音色较清脆、悦耳,也比较朴素。无论法国还是意大利的羽管键琴都不能用手指控制声音的强弱,并且音量也不太大。所以考虑到当时乐器的特点,用现代钢琴演奏巴赫作品时也不能有过分夸张的强弱对比,要保持干净的触键。

2、忠于作曲家
巴赫是虔诚的教徒,很多作品都与宗教相关,风格比较庄重、严谨、虔诚,但是作品中也不乏激情,比如层层序进的和声,不停转调的十六分音组,但是这种激情相比于浪漫主义时期是相对内敛的,要把握好作曲家的风格。

3、忠于作品
巴洛克时期有一些常用的音乐体裁,比如Toccata、Ricercare、Fantasia、Passacaglia、 Chacconne等。首先必须了解这些体裁的特点,比如Toccata就是触技,速度很快;Ricercare有对位,通常有多个主题;Fantasia强调声部间的模仿,形式不固定;Passacaglia有固定低音;Chacconne有变化高音等等。而组曲则源自舞曲。比如英国组曲,其中的Allamande是流行与法国的男女对舞,是4/4或2/2拍的,不快不慢的速度,有一个起拍,以16分音符或8分音符为主;而Courante就是三拍子的舞曲,很活泼,意大利的库朗特比法国的速度更快,有快速跑动的琶音;Sarabande则是西班牙的传统舞蹈,慢速,三拍子;Gigue是英国的舞曲,快速、有力,通常为6/8拍。

此外,复调作品最重要的就是要弹清楚每一条旋律的走向。要分析曲子的Subject、Answer和Counter Subject,其中还会有Episode和Stretto等,不仅要找出来,还要分析由来,比如是主题的倒影、或是新的主题等等,此外还要注意和声走向和转调,只有分析清楚了才能弹得清楚。

当然所有的这些前提是首先必须有一份靠谱版本的谱子,比如亨勒出版社的,至于布索尼等编订的版本,用来参考就好。

以上。

音乐 钢琴 古典音乐 巴赫(Johann Sebastian Bach) 演奏

你所学的乐器,就技巧上来说,哪些曲子是难度的是顶级的?

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排除情感表现,以及曲子的长度。各位觉得自己学的乐器里面有哪些特别变态的技法要求呢,而且这种难度在一首曲子中是稳定保持的,不是某一个部分特别难。

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我觉得大家不要以自己当前的水平来衡量曲子的难度,恩,旧将

说到钢琴作品!有那么十几个人肯定是绕不开的了,巴赫、贝多芬、肖邦、李斯特、海顿、莫扎特、拉赫玛尼诺夫、普罗科菲耶夫、勃拉姆斯、德彪西、拉威尔……
难度嘛!我们一点一点来看吧!
1.贝多芬,32首(3首有争议的不计入)钢琴奏鸣曲。有像第八首“悲怆”那种纯技巧比较简单的,但是第29首确实不简单哦!
《降B大调第二十九钢琴奏鸣曲》长达1173小节(令人无语的长度,是我知道的钢琴奏鸣曲里面最长的一首)。长也就算了,但是真的不简单。曾经就有位维也纳女士抱怨说她练习了数个月仍然无法演奏奏鸣曲的开始部分。
怎么说呢!上述的描述可能对这首曲子的难度有所夸张,但是真要弹这首,我觉得我暂时还有足够的勇气去弹它,这么长的演奏时间,对心理素质、稳定性要求太高了。


2.李斯特的《超级/超凡/超技练习曲》《帕格妮妮大练习曲》、肖邦的24首练习曲(3首遗作不计)
从肖邦的练习曲Op10.no.1说起,谱面真的是难以置信的简单,似乎就是琶音嘛!但是你会发现它的速度要求是176bpm,再看看通篇的16分音符。即是说,你的右手需要用每秒钟需要准确的弹大学11个音。
不要以为这样就完了哦!这首曲子(其实肖邦练习曲的大部分都是)的旋律是在“左手”上面的哦!对就是那一个个全音符和二分音符。所以你的右手虽然跑得快但是绝对不要喧宾夺主,而且看看谱面,音头标注了需要强调,每两小节是一个小句子,要有起伏。还有由小乐句组成的大乐句哦!我们就不继续深入讨论了。

进入Op10.no.2……来看看常桦是怎么说的吧!
来看看谱面,依然非常简单,与第一条相比,似乎速度也慢了一点哈!
但是,大拇指和食指被用到了中声部(画红圈的地方),所有的跑动都要靠3/4/5指完成,根据答主的惨痛经历,负责人的告诉大家,真要练,绝对不要急于求成,其它曲子也许是弹不好,这首曲子真的是会弹抽筋的啊!那几天都握不住筷子啊!!!
以为就是这样就完了吗?肖邦写旋律自然是超一流的好听,但是在这首曲子里面,人家和声也用的超级丰富啊!这一段的和声变化,大调小调不断交替,弹好了真是叫美轮美奂,答主没有这个水平分析到这个地步,是在西安音乐学院听“拉扎贝尔曼”的大师课,然后给一个学生分析这首作品,真是难忘啊!
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—————关于如何练习肖邦Op.10 No.2的一些建议(2016年5月2日更新) ————
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评论区有位知友向我咨询练习这曲子的方法,因为这类问题不对谱面进行分析,可能很难说清楚,就做一些更新吧!
1.指法
一定要 “完全” 按照乐谱的标记来演奏,这首曲子对指法的要求特别高,肖邦也基本给出了全部的指法,除非手指情况比较特殊,否则按照URTEXT版上的指法练习,几乎可以肯定是最好的方法。
有些地方一开始我本来觉得自己编的指法顺手一点,但是要到了接近原速的时候,我还是选择的谱面上给的指法。

2.速度
肖邦练习曲中的绝大部分,速度都很快。要提速,记住以下秘诀
A.变换重音/音头的练习方式
在肖邦的Op.10 No.2中,速度提升的难点全部在右手,如果以“ —”表示重拍,“ 。 ”表示轻拍,那么以 第一小节为例,你可以做以下八组练习(其中a、d、e、h四组重点练习)
a) —。。。—。。。—。。。—。。。
b)。—。。。—。。。—。。。—。。
c)。。—。。。—。。。—。。。—。
d)。。。—。。。—。。。—。。。—

e) —。。。。。。。—。。。。。。。
f ) 。—。。。。。。。—。。。。。。
g) 。。—。。。。。。。—。。。。。
h) 。。。—。。。。。。。—。。。。

PS:变换重音的方法可不是我的原创,更详细的指导,请看史兰倩丝卡《指尖下的音乐》54-55页

B。变节奏练习
这首练习曲要求3/4/5指跑动得 快速+均匀 ,右手同时演奏两个声部,特别是高声部一直靠3/4/5指告诉跑动,负担很多,针对这个技巧,请看下图(请忽视这个渣渣效果,能看懂意思就行)
谱例摘自常桦的《肖邦练习曲教学与演奏指南》
A、B两项可以合并进行练习,并不一定需要割裂开


C.逐格增加节拍器的方式来提升速度
当你在低速时,已经完成了A/B部分的练习时,就可以进入这一部分的练习了。
首先选择一个能够弹几遍你也不会错音的速度,然后每弹几遍,节拍器的速度往上提升一点,直至可以完全掌握新速度(掌握的标准就是弹几遍不累,不错音),再提升速度。
若速度提升遇到瓶颈,请在更快的速度下进行A/B练习,寻求再次突破,也可以看看科尔托编订的的教学版肖练乐谱。

D.旋律声部的练习
我已经说过了,肖邦练习曲中有很多首的旋律都在看似简单的左手部分,请看下图
左手的指法并不是URTEXT版中有的,可以参考,可以忽略,请君自便,至于为什么这个乐谱上的指法看起来有点奇怪怪,可以参考下我的另一个回答:肖邦练习曲冬风op.25no.11弹奏要领? - 钢琴
但是,请注意练习旋律声部的时候,保持旋律的流畅性,不要让旋律变得不明显。尽量减少多余动作,会有助于提升旋律的流畅性。

E.和声部分


这一部分和声在大小调之间不断转换,也有不和谐音程。注意乐谱上的强弱标注,使得大小调之间的音色得到充分对比 。
此外还需要在上图最后一小节中,以及后续几个小节,演奏时需要使用“持音踏板”/“延音踏板”来实现音的连续喝间断。如果这些都做到了,那你可以去请更好的老师了,我只能帮你到这里了。
@鸭头盆子,以上
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———关于如何练习肖邦Op.10 No.2的一些建议(2016年5月2日更新完毕) ————
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这首差不多了,继续进入Op10.no.3吧!肖邦练习曲中最慢的一首,用4个圈儿画出了4个声部,你问我难不难,技巧上确实比前两首简单很多,但也绝对不是随随便便就能弹的曲子,之所以拿出来,是因为这首曲子很忧伤,很美,推荐大家找来听听,她有一个忧伤的名字叫《离别》

这样一首一首讲下去就没完没了,但今天我们重在难度,恩!什么Op10,no.4《激流》、Op10,no.5《黑键》……就跳过吧!直接跳到Op10,no.10
有人说这是肖练里面最难的一首,虽然我自己觉得这首并不算太难,但是因为每个人都手指条件和擅长的方向不同,因此对难度有这样认知上的差异并不奇怪,所以也就说一说吧!右手的音型变化非常丰富,一开始的重音非常的不按常理出牌,但是后来又转变成了明显的三连音,此后还有其它的变化,就不讨论了。不得不说,肖邦大神您还是玩的6啊!左手那奇怪的二分音符你是要干啥!保持起来好别扭的说!大概就这些吧!
我们重在难度,恩!什么Op10,no.12《革命》……就跳过吧!直接跳到Op25,no.6

Op25,no.6,就是前面提到的另外一条“难中之难”肖邦练习曲,看看常桦是如何评价的吧!
和《鬼火》一样难缠…………我觉得这句话已经足够说明它有多难了,我们之后再看看李斯特的《鬼火》如何难缠吧!先看看这首曲子的谱面,通篇的超快速三度。一开始练习的时候要是不慢练,三度的两个音你都没法保证同时弹下去,最后就想瘸子走路一般左摇右摆,变得不伦不类。
最后再说一首肖练吧!Op25,no.11《冬风》
冬风练习曲是肖邦练习曲中最宏大的一首,右手的跑动也是最快速的(但由于跑动时右手手腕动作并不大,因此其跑动的难点与第一首并不相同,特别是保证精确触键的难度,是远低于第一首的)这首曲子跑动的时候需要大臂进行辅助,左手的旋律(左手大拇指突出一下),和声都非常非常丰富。由于其长度较长,对演奏者的耐力要求也较高
右手如呼啸的狂风,左手如深沉的低音,两者交织使得聆听这首曲子,确有冬风虎啸之感。
…………………………………肖邦的分割线………………………………
李斯特的练习曲,音符的密集程度比肖邦的练习曲要高的多,而且据说已经是李斯特本人简化之后的版本了
他的练习曲之中超技第四首《马捷帕》、第五首《鬼火》、第八首《狩猎》以及另一套《帕格妮妮大练习曲》的第三首《钟》以及第六首,都非常难缠。还有什么《西班牙狂想曲》《死之舞》《唐璜的回忆》等曲子,都是出名的难。
《马捷帕》大概通篇都是这样的
可以说眼花缭乱吧!巨难无比,有人说这是一首高难度技巧的大杂烩,我觉得形容的非常贴切的

在史兰倩斯卡所写的《指尖下的音乐》这本书中,她写到
当我11岁的时候,一天心血来潮地问拉赫玛尼诺夫:“拿手钢琴曲在技巧上是最艰难的?”他想了几分钟后,回答我:“我想李斯特的《鬼火练习曲》是最艰难乐曲中的一首”( 摘自 史兰倩丝卡指尖下的音乐 78-79页
不过需要指出的是,个人认为,拉赫之所以觉得很难,和他的手奇大无比,不适合演奏《鬼火》这首曲子有关。
《鬼火》是这样的,红色下划线所标注的那一段,与肖邦的Op10,no2有异曲同工之妙,强行提速,也会抽经的。

李斯特的其它炫技作品总之很难跳出音符密集、大跳甚多、八度十度技巧令人眼花缭乱之类的框框,有些人觉得《唐璜的回忆》是他所有作品中,技巧要求最高的一首,有兴趣可以自己去试试。把莫扎特的歌剧《唐璜》中的所有音符,都浓缩在了十几分钟的钢琴独奏作品中,想想也是蛮可怕的。
……………………………………李斯特的分割线…………………………………

有一首作品,本人所见的所有现场独奏之中,没有一个人没有错音,当然,CD录音之中有完美的版本。错音不奇怪,但是一首作品能让这么多技巧牛逼到逆天的钢琴家都失误,我也是很诧异的。那就是勃拉姆斯的Op.35《帕格尼尼主题变奏曲》
里赫特现场、王羽佳现场(女神怎么连您都会栽跟头)……没有一个人不错音,而且老一辈的钢琴家有的可以说是错音非常多。
勃拉姆斯的小品我弹过一些,当时的感觉就是,比贝多芬和莫扎特他们的古典作品明显要难好多啊!当我接触到《帕格尼尼主题变奏曲》时,才发现这28段变奏,2次主题重复,总计30段的“魔术师的变奏曲”,真的是非常非常非常难。虽然我所接触的勃拉姆斯的作品并不太多,但是通过文献描述,我想这应该是勃拉姆斯钢琴独奏作品中的最难的一首了。
……………………………………勃拉姆斯的分割线…………………………………
2015年7月14号更新

有空再补充这里

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有人在评论区提到我为什么不说拉赫玛尼诺夫,“拉赫玛尼诺夫第三钢琴协奏曲”被称为“世界上最难演奏的作品”。真实生活中的戴维在英国皇家音乐学院的教授西里尔·史密斯(Cyril Smith),曾形容演奏一次“拉三”在体力上的付出等于“铲十吨煤”。1909年11月,拉赫玛尼诺夫本人作为钢琴独奏者在纽约首演时,也把自己这首协奏曲戏称为“大象之作”,以比喻其庞大与沉重。
虽然拉三已经写出来100多年了,但是哪怕对于职业钢琴家,要演奏好这首协奏曲依然充满挑战。但是这样一首超难的曲子,却有着一个非常简单的开头。
真的是简单到视奏都可以啊!!!


说到拉三,《普罗科菲耶夫的第二钢琴协奏曲》也少不了,这首曲子首演时曾遭许多人退席谩骂。多数报道称:“这种未来的音乐,送给魔鬼去吧。我们是来享乐的,我家的猫也会弹这种音乐。其音符的密集程度,在视觉上都觉得可怕。如今对此曲已经盖棺定论,认为它一首登峰造极、辉煌而疯狂的炫技神曲。

就是如上两部如此高难度的协奏曲,王羽佳女神居然,竟然,难以置信的放在了同一场音乐会中…………………………您是要干嘛!!!!!!!
贴一个这张CD的链接,大家自己看吧!
王羽佳:拉赫玛尼诺夫•普罗科菲耶夫(CD) 王羽佳, 古斯塔夫•杜达梅尔, 委内瑞拉西蒙•玻利瓦尔交响乐团 亚马逊中国

……………………………………一些对我而言是传说级别的东西…………………………………
这一首曲子,我只听过这一个版本,元杰作为国内知名的钢琴家,他自己在自己人人的日志里面这么写到 艾略特卡特的《音线》,大意是:
这么难的曲子,真不知道我当年上学的时候室怎么练下来的
元杰演奏卡特(Elliott Carter)“Catenaries”—在线播放—优酷网,视频高清在线观看 http://v.youku.com/v_show/id_XMzIwNzYyMzcy.html?from=y1.7-1.2 这年头,要成名成家,那个不是从小就经历超高强度的训练,那个不是技术牛逼到难以置信。而他居然会这么评价这首曲子的难度,因此,这首曲子我记住了。很有意思的一首曲子。估计有人会好奇艾略特·卡特是谁,我也不是太了解,只能百度或者GOOGLE了,反正各种牛逼就对了。
…………………………………………………………………………………………………………………
接下来还是练习曲
肖邦和李斯特的练习曲自然室出名,但是在这个年头,演奏会上演奏全套的《肖邦练习曲》《超级练习曲》虽然依然室不小的挑战,但是已经算不得惊人。
但是我知道乔治·利盖蒂的18首练习曲非常非常非常非常难,看谱子就知道会非常变态,实在是超出业余选手的能力了。
第一首: 混乱-- Désordre
第二首: 空弦-- Cordes à vide
第三首: 堵塞键-- Touches bloqueés
第四首: 号角 -- Fanfares
第五首: 彩虹 Arc-en-ciel
第六首: 华沙之秋 -- Automne à Varsovie
第七首:加拉姆. 波隆 -- Galamb Borong
第八首:金属 -- Fém
第九首:眩晕 -- Vertige
第十首:魔法师的学徒 -- Der Zauberlehrling
第十一首:不安 -- En Suspens
第十二首:交错 -- Entrelacs
第十三首:魔鬼的阶梯 -- L''escalier du diable
第十四首:无尽的圆柱-- Columna infinitâ
第十五首:白键上的白键 -- White on White
第十六首:献给艾琳娜 -- Pour Irina
第十七首:一气呵成 -- A bout de souffle
第十八首:卡农 -- Canon
能在音乐会上一口气演奏这18首的人,全中国似乎就邹翔一个人,全世界也屈指可数啊!
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最后的返璞归真
说了这么多,自然不能漏了巴赫!
巴赫的48首平均律作为键盘音乐史上举足轻重的作品,任何人都无法忽视它。
大家来看看被誉为”巴赫女祭司“的图雷克女士所写,中央音乐学院的盛原老师翻译的《巴赫演奏指南》中的这一页吧!我相信你会有所触动


技术对于钢琴重要吗?太重要了,没有足够好的技术,你永远无法体会演奏那些困难,但感人至深的作品的乐趣。但是拥有最顶尖的技术,不足以让你的演奏感人至深。
图雷克女士的境界,为本就经典的音乐,注入了更多的生命力。在她的手中,技术不再是为了完成曲目,而是为作曲家的创作赋予更多的可能性。而这样用心的演奏,你怎能不由衷的为其喝彩呢!


由于本人的知识水平确实有限,回答中的错误与缺漏难以避免,请轻拍。我只是一个学电气的。
(基本完,有时间再小改)

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钢琴不同的触键方式,可否形成不同的音色?

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None

让我来用理性的方式来解释 @姚雨言感性的答案


改变音色的唯一方式就是通过改变声音的频谱。
高频越强听起来越明亮,越弱听起来越柔和;低频越强听起来越浑厚,越弱听起来越空旷。


长文预警,没耐心的直接跳到最后那几段

现今的MIDI技术已经十分发达,已经能逼真地模拟除了吉他外所有乐器的演奏,尤其是以钢琴音色最为逼真。

那么我们来看看在一些高端的钢琴采样音色里,我们都能控制哪些东西。

以业界常用的斯坦威钢琴音源为例


控制音色的都有哪些?
这个控制钢琴音色的软硬,通过加载不同的采样,并且控制频谱来完成,这是钢琴的构造所决定的,而不是手指能控制的。
当处于最柔软的音色时,低频较多,高频泛音较少。
当处于最硬的音色时,高频较多,尤其是在第三个泛音,也就是八度上方的纯五度处。

这个控制踏板踩下去后琴弦的共振程度,对音色也有影响。

这个控制琴盖是打开还是合上,对高频有影响。当琴盖合上时,高频会减弱很多。

这个控制力度与音量的关系曲线,这是MIDI特有的功能,在真实乐器上无法完成。

第一条控制在释放琴键的同时踩下踏板会不会触发其他琴弦的共振,第二条控制半踩踏板,第三条控制在轻轻按下琴键的时候是否发出声音(我们最轻最轻按下琴键的时候是发不出声音的)

voice是MIDI术语,不管它,tuning是调音的律制,也和音色无关。

这些音量控制:
释放琴键的声音
槌子击弦的杂音
踩踏板的声音
升降弱音垫的声音
泛音的单独采样
声场宽度
转调
音高微调
标准音频率
这些都和音色有关,但都不是通过手指能控制的

最右边两个控制混响和其他音色叠加,就更无关了

那么触键改变的是什么?

一个音符具有下面这几个参数
音量包络:

Attack Decay Sustain Release (ADSR)
Attack指的是从产生这一个音符到这个音符最响时需要的时间,对于钢琴音色而言,这个时间非常短,几乎为零。
Decay是指音量下降到稳定时需要的时间,对于钢琴而言,整个音符都处在Decay阶段。
Sustain是指一个稳定的音量,一般对于管乐器和弦乐器适用。钢琴没有稳定的Sustain阶段,因为按下琴键之后就没有更多机械能了,其Sustain状态下的音量也是在减小的,可以说钢琴的decay和sustain没有明显的区分。
Release是指在音符结束之后仍然发声的阶段,钢琴在不踩踏板的时候Release非常短,踩踏板的时候Release非常长。
钢琴的音量包络大概是这样的。

那么针对不同的触键方式,是如何影响所谓的“音色”的呢?
首先不同的力度会产生不同的击锤动作,所以产生的音量不一样,也就是A点升到最高的位置不一样。
轻柔的触键相比于刚硬的触键,改变的是attack的时间,轻柔的触键能够产生更长时间attack的效果。

因为琴弦振动的机械能全部来自于槌子敲下去的那么一下,所以钢琴的decay是改变不了的。

跳音等触键方式改变的是sustain的时间,连奏可以增长sustain的时间,而跳音会减少sustain的时间。

改变release的唯一方法就是使用踏板,但是这不包含在触键当中。

换一个角度来说,你通过触键只能控制槌子击弦的力度和速度,而不能像吉他等乐器一样控制击弦的位置和角度。击弦的力度改变的是最大音量,速度改变的是attack的时间。往往更大的力度也代表着更快的attack时间。而击弦的位置和角度能够更直接地改变弦振动的模式,从而产生不同的泛音列,产生更明显的音色变化。

那么为什么你会感觉不同的力度触键改变了音色呢?

因为击弦的力度也能够改变泛音列,下面我先以很小的力度击弦

泛音音量很小,几乎看不见,也基本没有按键时产生的低频噪音

当我以很高的力度击弦时,产生了许多泛音,并且在低频去有很明显的按键噪音
频谱不一样了,音色当然不一样了!

弦振动的幅度越大,产生的泛音就越复杂。当弦产生微弱的振动时,只有基音的振动比较明显,所以产生类似正弦波一样的柔和声音。当弦振动强烈时,有足够的能量触发更高模式的振动,泛音列更多,所以产生的音比较明亮。
弦振动的前四个模式,更高的泛音列还有更多


@姚雨言 说的那些各种触键方法都是什么呢?其实产生的音色区别仅仅在于对力度操控的不一样。
任何一种触键方法,都可以按照物理方法计算你的手指通过槌子传动给琴弦振动产生了多少机械能。那么不同的触键方法,产生的机械能不一样,导致弦振动的模式不一样,产生了不同的音色。


钢琴的发声方式是所有乐器里最简单可控的。因为不管你怎么演奏键盘,都是槌子在击弦,而不是你手指本身。钢琴的音色在触键上表现为只对力度敏感,所谓什么不同的手型,只是产生了不同的力度值而已。不同的手型,使用力的方向不同。用同样的力,如果手型比较立起来,垂直按键,就会产生最大的机械能。而如果手型比较趴下来,按键的时候会产生水平方向上往前推的分力,这部分力被琴身吸收而没有传动到槌子上,这样用同样的力就会产生更小的力度值,产生的机械能更小,泛音列更少,从而发出更柔和的音色。还有一个可控变量就是按键的位置。因为琴键是一个杠杆,越靠外越省力,所以同样的手型按在琴键的不同位置也会改变力度值。用同样的力度在白键上弹,产生的声音一般都比较明亮,因为白键的杠杆更长更省力,同样力量产生的力度值更大。

评论区有人没看懂啊,不管是用指尖还是指肚子还是拳头还是屁股弹琴,你给钢琴的只是一个力度值,传送给槌子击弦。为什么电钢琴能够用采样而不是像电吉他一样放大的方法演奏逼真的效果,就是因为控制音色的只有力度这么一个属性。不管你是怎么按键,用什么按键的,键盘上的力度感应器只是接收到一个0~127之间的数值而已。真钢琴接收到的不是一个电子力度信号,而是一个机械感应的动量。你弹琴是手的动能通过一系列的杠杆最终转化成机械能的过程。不管你是用什么手型什么部位弹的,你给琴键的动能是可以用一个数值的表示的,而这个数值是通过触键影响钢琴音色的唯一变量。

那么钢琴家比普通钢琴演奏者牛逼的地方在哪里呢?就是对于音色的模仿能力。假设我在钢琴上按了一下,测出来用了10N的力,那么这10N的力度就会产生一个对应的音色。但是反过来,如果给你听一个10N的音色,你却很难精确地发力弹出这种音色来。钢琴家更善于控制自己的手指,手腕,胳膊乃至身体,能够更加精确地控制力度,来产生他们想要的音色效果。这也是为什么除去技巧上面,在感情处理上钢琴家弹出来的同样曲子要好听很多。


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给成人上钢琴课需要用到哪些教材?

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我是钢琴老师,之前都是教小孩子这个星期来了一个成人的学生,第一次接触成人学生有点不知道该怎么教,求各位大神支招,并且推荐一些适合成人用的钢琴材料。蟹蟹!

卸腰。

直接用599和哈农再加本钢基就好,上课的时候顺带讲一下乐理方面的知识不然会觉得很无趣。
599学到一半左右可以穿插着849一起用。

想弹点自娱自乐的东西把599弹完就能解决很多跑动的问题了。
一般比较猛的半年左右就能搞定四分之三了。
想学古典的话就一步一步从599按部就班往上走就行,看程度来加书。
每星期换一个大小调的音阶弹。开始全是慢练没有快。
其他方面帮你邀1900来看看有没有什么其他补充。

给成人上课也不要放低自己的姿态。要求完成的东西完不成没有任何借口。

钢琴 成人钢琴学习 钢琴学习

那些练童子功并且长大以后爱上这一行的人,小时候喜欢练功吗?

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比如乐器啊,舞蹈啊等等。因为题主小时候因为感兴趣也练过乐器练过舞蹈,后来太苦了自己又很懒最后就放弃了,放弃的时候心里想着我恨死钢琴了我恨死跳舞了我以后再也不要学了,可是长大以后觉得当时要是坚持下来了该多好,也很羡慕那些坚持下来,甚至以后将音乐舞蹈作为一生事业去奋斗的那些人。所以我想问问,这些现在爱着音乐舞蹈的各位,小时候就爱着它们吗?如果以后我的小孩也是自己有某种爱好,去学习之后又想放弃了,我是该鞭策ta鼓励ta学下去,还是任其自然呢?(又怕ta长大了跟我一样后悔,又怕因为自己的夙愿而逼孩子去实现我的愿望。)
啊讲的有点乱,其实我主要还是想问问各位的心路历程~教小孩什么的反正现在考虑也没有用,毕竟首先..........

谢邀。

先总结一句:我小时候非常喜欢弹钢琴,但并不爱练钢琴


这其实并不矛盾。

刚刚开始学钢琴的时候,精力十分充沛,觉得弹多枯燥的练习曲都是很有趣的,每天中午都会练上一个多小时。然后突然有一天,有个邻居来投诉说中午弹钢琴太扰民了,于是那天就没有练琴,为了打发中午的时间打开了电视机…然后之后的中午就只想看电视了,自然而然变成了一个上课前一两天才临时抱佛脚突击练一阵的熊孩纸。

再长大一点,变得更喜欢钢琴了,每天花在钢琴上的时间很多,但都是弹自己喜欢的曲子【扒谱啊什么的 】,老师布置的大型乐曲会每天练一练,但还是不想去碰那些枯燥的练习曲。

上了大学以后,为了捡回高三最后三个月丢掉的基本功,开始苦练练习曲,终于开始自愿练琴,不过也实在是迫于技巧跟不上。

不过对于题主的问题,再多说几句别的:
每个人都是有惰性的,当你把一件事情当作了任务,即使很喜爱,时间久了也会有些厌烦的情绪。
但是,如果你真的足够喜爱,你就会有足够的力量支撑你走下去,而不是中途放弃

就像我觉得练琴很乏味,但是从来没考虑过放弃钢琴一样。

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半配重键盘的手感如何?

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简单说说也行,和钢琴稍微对比下也行 另 如果方便的话 希望介绍下 M-AUDIO Keystation 88 [img=1110803336]

不知道上面回答的都有几位是真正的键盘手,又摸过多少真正的“半配重”的MIDI键盘,我保证有超过九成的人根本就不了解半配重键盘。首先澄清一点,半配重并不是简单的介乎无配重和全配重之间,他的结构设计,并不是全配重的重锤重量减少一半这么简单,相反,他的机械结构有可能比某些全配重更加复杂,进而带来更加高昂的造价;他们的设计目的,也并不是要做出任何商业营销上面的价格妥协与权衡

这里简单介绍一下半配重,也就是英文semi-weight的设计理念。

首先作为一个乐队键盘手,而不完全是钢琴手,大多数情况下,演奏的并不一定是钢琴的音色,而更有可能是一些synth lead、pad或者其他传统乐器的音色。由于速度需求,他们需要一种下键轻,回弹快的键盘,而配重的钢琴键盘,是没办法达到他们需要的“回弹快”这个要求的。关于速度需求这一点不需要怀疑,某些键盘手,弹奏合成lead音色的时候,甚至需要比某些以速度著称的古典钢琴曲目的速度还要快。

然后半配重键盘所提供的高速回弹的机械结构,可能直接采用拉簧、或者钢片、钢针,甚至更加复杂的结构,完全不同于全配重基于重锤的结构。在弹奏的时候,半配重虽然下键很轻,但是由于回弹力度大而且快,弹奏大段琶音的时候,稳定性并不见得会比钢琴键盘差,就更别说回弹速度这个优势了。当然在力度(更准确应给是速度velocity,因为MIDI协议标准里面对于一个音符的参数是以velocity表示力度的,本质上是通过检测下键速度来间接得出力度)值传感器上面,高端全配重键盘的三触点结构会比两触点结构的半配重键盘表现细腻。但这并不影响半配重键盘的定位,因为对于非独奏或者钢琴非主奏乐器的编曲,是不需要这么细腻,这么大的动态,即使是实录真钢琴,最后都是得使用compress来控制动态范围,而合成类的音色,他的动态是更多是由外围效果器,例如fillter、phrase、wah等效果器来提供的,所以这个时候,半配重键盘是完全满足这里音色的驾驭的。

另外目前淘宝上面很多标榜“半配重”MIDI键盘,其实并不是真正意义的半配重,所以觉得手感渣的朋友,我并不怪你们,因为这是国内商家偷换概念,而厂商是不会说谎的,他们英文官网里面,半配重会标明semi-weight,而无配重的说法是velocity-sensitive(力度敏感),并不是像淘宝那样,只要是个MIDI键盘,就说是半配重。要知道你们摸得键盘是不是真正的半配重,别听淘宝商家忽悠,自己上英文官网确认。如果你有买过几款MIDI键盘,你就会发现,2000元以下的,提供回弹反馈的装置,仅仅是导电硅胶,包括M-ADUIO,被炒得很热的61ES,还有他们的Oxygen系列,都是这样的结构,他们自己,只有axion(真理)系列里面,是真正采用金属拉簧的的结构,当然是什么样的金属我并不清楚,我只是拆开过看了一下结构,没有拿去出来研究。再往高处走一点,合成器只要提到semi-weight,也才是真正的半配重键盘,我自己有Motif合成器,也有M3合成器,在回弹的处理上面,他们那种半配重,在回弹反馈和下键处理上面,我感觉是比任何一个纯MIDI键盘都要好。当然也有人更喜欢axion或者别的什么品牌,这些就见仁见智了。

接着说一下弹奏体验。弹奏这类半配重键盘的时候,由于下键力度和无配重相差无几,所以很容易给人造成一种“差不多”的假象。但是长时间使用半配重来练习的键盘手,或者使用半配重键盘来编曲的音乐人,就会深刻明白他们之间是有很大区别,例如就是弹奏的每一个音符的时候,半配重键盘的两个音符之间的切换相当的简洁不拖沓,对手的反馈非常好,长时间弹奏也能保持非常稳定的状态。稳定这一点,这对于出于商业目的去弹奏一款键盘,是相当重要的。也许有无配重的键盘依靠简单的导电硅胶也能提供类似半配重的“快回弹”,但是越快的回弹,硅胶本身的硬度就必须越大,最后会导致下键感觉变糊,这个对于有速度要求的键盘手来说,是非常致命的,所以对于硅胶的物理特性,这两个极端是没有办法调和的,要么就下键轻快,但回弹慢,要么就下键黏糊,但回弹快,绝对是没有办法做到半配重那种下键干脆轻快,但回弹迅速有力的感觉。至于全配重的键盘,YAMAHA的GH3和NW,也符合下键“轻快“(仅仅相对于其他重锤全配),但却怎么都没办法提供比半配重键盘更加干脆的回弹反馈。

所以最后给大家的建议是,如果需要弹奏钢琴为主或者钢琴独奏的曲目,全配重键盘甚至直接是声学钢琴(或者讲真钢、机钢,传统钢琴)绝对是不二选择,可以提供更加细腻的动态控制。但是用来模仿其他传统乐器,或者弹奏高速的合成lead类音色,半配重键盘才是最佳的选择。这个可以从国内外众多演唱会上面印证,很多键盘手都是会带一台88键全配重键盘配合一台61或者73、76的半配重键盘,甚至直接就是两台半配重合成器。另一个印证的地方就是模拟类的合成器,你几乎找不出一款”88键全配重“的版本。

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这里还是简单讲下Keystation 88,不知道有没有人对历史感兴趣,但是如果不讲Keystation历史,忽然感觉没有东西可讲。Keystation这个系列,是M-AUDIO收购了当时最大的MIDI键盘厂商Evolution,之后才推出的,手感上面其实和Evolution相当类似,因为我以前就有Evolution的MK系列,和61ES对比过。其实这一点并不奇怪,因为收购前后,都是made in china,至于有没有换生产线,我就不的而知了,但技术是一样的,按键回弹都是基于导电硅胶(也就是上面说的velocity-sensitive,也就是无配重。当然这样的velocity-sensitive还是要比普通电子琴和编曲键盘手感要好,毕竟成本全砸这里了)。61ES,也就是银色那一款,这些年销量最大的,其实是keystation的第二代产品,我不知道为啥这个时候忽然61ES火起来了,商家宣传的方式是xxx明星xxx键盘手使用,但其实主要是因为61ES比较轻,而他的导电硅胶手感算是比较好的了,同时方便携带,仅此而已(想想你要是有台mac pro,和你另外再买一台bookair其实并不冲突)。就算是工作室,有一款可以随意移动的便携MIDI键盘,也是很有必要的(要是需要搬来搬去,我也懒得去扛MOTIF)。于是被别有用心的商家抓拍到了,利用“明星效应”大势渲染,我实在不觉得他在手感上面有太多的亮点,当然最大亮点还是价格上面,有段时间61ES价格被放到七八百块钱,这真的是千元以下最有性价比的键盘了,目前价格已经回升,其他品牌同档次键盘品质追赶上来,keystation实际上已经没有任何价格竞争力可言,我保证你们百度到的61ES“最有性价比”的论调,绝对是三四年前他的价格跌到谷底时候的。当然,这期间还有一款keystation系列的旗舰keystation pro,这个就真的是全配88的了,手感和做工都非常好,可是价格也相当高,就算是现在,都还是得4000。但由于M-AUDIO近年被收购,高端部分要让给Akai去做,所以这类丧心病狂配置的键盘,在M-audio官网已经找不到了,因为集团内部,M-Audio的整个定位就是中低端到中端。实际上新出的Axiom air还是有点中高端的意思,但根据集团的意思,无乱是Keystation pro还是Axiom pro,反正这类带pro(为啥忽然想到poi _(:з」∠)_)这类丧心病狂的型号已经没有可能再出了,想玩更高级的,就买Akai MPK去。所以现在的第三代keystation(黑色面板),实际上整个定位就是低端键盘(Oxygen也只不过是加了一堆控制器的Keystation),他的价格也说明了这一点,所以没必要对他的手感有过分的期待。不过他至少不同于61以下的版本的纯velocity-sensitive,是属于semi-weight(如果官网没说谎的话),比起keystation 61以下的导电硅胶版本,还是算不错的(目前2000以下的semi-weight,49以上键数的几乎找不到,alesis也只有VI系列在这个范畴内)。不过我是不推荐买keystation 88,除非你只弹钢琴曲,有没有更加多预算。对我来讲semi-weight就用来弹弹synth lead,没必要88这么长的键盘,61有多,49都够(但keystation 61以下版本却又不是semi-weight而是velocity-sensitive这个比较悲催_(:з」∠)_),另外没有推子实在不能忍(没推子,做auto control和mix简直不能忍……难道你还另外买个推子控制器不成?还不如钱上更好的了)

音乐 钢琴 MIDI 键盘乐器

如何迅速适应三角钢琴?

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题主给班里合唱比赛做钢伴。最后特等奖要到校艺术节表演。学校小剧场有台三角琴,然而苦逼的题主弹了十一年钢琴并没有碰过三角。题主自认为适应能力较强(LOL)能够迅速上手各种音色手感奇怪经久失修的立式琴和各种力度感应爆炸的电琴0.0然而这次在正式表演之前只会有一次彩排机会 啊好崩溃

所以大家有什么建议呢(☆_☆)

卸腰

本人四岁学琴到现在也算快20年了 无论在琴房还是家里都是用的立式琴。但是上了大学,老师上课包括演出都是卡哇伊的大三角(听说学校买了架施坦威但是还没看到哈哈)
刚开始确实不太适应但是真的弹多了就无感了。

其实不管是什么事都是这个道理 见怪不怪了手自然熟了。

换琴无非是要适应三个事情
1.琴键 取决于钢琴的材质 品牌 新旧程度
举例来说:个人感觉在新旧程度一致的三角琴品牌来对比;日产的比国产的软,雅马哈的比卡哇伊好上手(因为榔头敲击琴弦的方式不同,卡哇伊的琴键底部还做了处理,比雅马哈的略微硬一点点)施坦威比日产的硬但音色,简直是天堂一般的美妙。
2.音色 依旧取决钢琴的材质品牌以及是否调琴了
曾经参加艺考 弹过无数架跑音跑到姥姥家的好琴。。。(真不知道是学校疏忽了还是故意为之)
3.踏板
尤其是踩弱音琴键会移动这点。。。好多人表示第一次弹三角碰到琴键移动都懵逼了哈哈哈
但是我看你说是要参加合唱伴奏应该用不着这个踏板所以没啥问题。

音乐 钢琴 古典音乐 钢琴表演

对于成年人自学钢琴,学得不错的知友都有哪些经验?大家都有哪些好的学习方案?

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大概每天能挤出1小时来练琴,想达到比较自如地表达情感的地步,有比较好的音乐素养。知友们有没有好的经验介绍下?

做到这两点,你将来就很牛逼:

1.找一个学生很多,课时费在300以上的老师,一对一学。

2.坚持每天练琴,至少5年,节假日也是,春节都是!

看起来很容易,能做到的人不到1%。

钢琴 钢琴家 自学派 数码钢琴 钢琴曲

同样的一首Nocturne in E flat major, Op9 No2 为什么我听得李云迪版本和Finghin Collins版本差距这么大?

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Nocturnes: No. 2 In E Flat Op. 9 No. 2-李云迪
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Finghin Collins的版本是我听过的最好听的 一种娓娓道来的感觉 充满优雅和静谧

看了春晚之后认识了李云迪 一个偶然的机会听到了李云迪版本的Op9夜曲 顿时心碎了 为什么我国顶尖的钢琴家弹这么简单的曲子就这么个奶奶样?如果说现场音乐会有紧张和发挥的因素 那么同为专辑版本的比较之下 李云迪还是被Collins玩爆了

听李云迪的夜曲就好像一个病入膏肓的人在哀求着别人给他服药 是不是还抽抽一下 一个感觉 太急了 急着炫技 急着表现 急着弹完拉倒 充满了急功近利的味道

敝人不会钢琴 只是普通的音乐爱好者 不足之处尽请指点

一个不到九级的乐曲,还是慢板。从技巧上看。别说象李云迪这样的钢琴演奏者(我都不敢用"钢琴家"一词,生怕被人当作云粉教育) 就是任何一个钢琴专业的学生弹奏都不会有太大问题。OK 技巧层面门槛这么低,那么就是音乐理解了。但问题是,音乐理解是个主观存在。音乐不像田径,这边画道杠,那边画道杠。谁先跑到谁就牛B。我承认,中国的演奏家和那些大师们还有很大差距。但不是像降E这样的曲目就能看出天差地别的。即使差,也不差那么邪乎。 你喜欢那个版本就去听那个版本好了,但不要拿自己的标准衡量别人,人不能太把自己当回事。

音乐 钢琴 钢琴家

学习钢琴多久就可以弹唱了?

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这个问题可以说要"分类讨论"吧
一种情况对于想要直接"听到一首歌就能把伴奏弹出来的人"
另一种情况对于只是想弹唱,或者说想"炫耀"的人

对于第一种情况,我想说弹唱和钢琴技巧完全没有关系
实际上弹唱或许只需要按几个柱式和弦或分解和弦就可以了,根本不需要高难度的钢琴技巧
关键是对和声的研究和把握,还有对钢琴位置的熟悉
例如分清每个调里的主和弦,属和弦,下属和弦...这样大部分的歌曲都可以简单的做出伴奏了
接下来就是副三和弦,还有一些常用的七和弦
至于一些爵士乐和华丽的摇滚乐,九和弦也不见怪,但是一般没有人会蛋疼到弹唱那些曲
所以其实和弦掌握那三四个就够了,和吉他是一回事.不同调性之间的转换需要一点绝对音感,但不是必要条件

对于第二种情况,建议直接在钢琴谱网站搜索"XXX伴奏谱"或"XXX弹唱谱",或者找人定做

音乐 钢琴 弹唱

网上有没有什么助于学钢琴的东西?

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你比如说…
哪里教学视频比较完整 清晰度比较高 而且没有奇怪的广告?
有些软件不是有教学视频吗我只看到*佳学里面有吉他但是没有钢琴 那么有没有其他软件有钢琴的呢
如果你要练一首你喜欢的曲子(流行歌曲 你不好去问老师 那么应该去哪里进行交流呢?

想学钢琴有两个条件很重要,一是要有一个好的老师,因为钢琴的基本功很重要,如果基础没有打好,将来想改习惯是非常难的,二是要勤奋的练习,在钢琴上反复的练曲子,不断的总结,不断改进。
看网上那些视频也能学,但效率太低,每个人都有自己的习惯,看视频不会有针对性,而且视频不会解决你学琴过程中的疑问。如果说在网上有什么有助于学钢琴的,最多也就是看演奏视频听曲子。

钢琴 手机软件 学习视频 钢琴学习

为什么学钢琴?

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看现在小孩子都学钢琴,
也听说过美国小孩家里都有钢琴,
学钢琴对人有什么作用?
有没有专业的回答?

我的老师在我学钢琴最开始的时候问我:你为什么要学钢琴?为了考级?为了比赛?我记得我当时太小,我妈妈对我说:“希望等你老的时候,还有钢琴可以一直陪着你。”

钢琴

有关莫扎特钢琴协奏曲KV415的疑问?

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曲子开头谱子上钢琴和乐队是一起演奏的,为什么我看所有钢琴家演奏视频这段他都忽略不弹,就是第5小节到第55小节这部分。。

简单地说。这部分是钢琴负责通奏低音,按照莫扎特时代的习惯是应该弹的。现在的很多古乐录音也是弹的。但是按照现在的习惯,钢琴在独奏部分开始之前是不弹的。

钢琴 古典音乐 莫扎特(Wolfgang Amadeus Mozart) 交响乐

怎么提高看谱能力和练琴效率?

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我是学双排键电子琴的 但是我看谱能力非常差 主要表现在1.音符经常看错 或者位置看错 经常弹高一个八度或者弹低一个八度 2.节奏也掌握不好 看谱子经常不知道该怎么打节奏怎么弹 节拍也经常错 右手左手和脚配合起来 节拍也对不好 有时候实在不会弹 就听示范曲子 看别人怎么弹的 我硬着学下来 3.因为看谱能力差 所以练琴效率非常低 一天使劲练也就练一行 但还不能练的特别熟练 要用好几天的时间来磨合 才能弹熟 4.我从小练琴就有一个习惯 就是弹一小节背一小节 完全靠肌肉记忆来练琴 有时候整个曲子都能背着弹下来 但看谱子弹却不会弹 而且我弹琴只能从整段或整个乐句开始弹 单拿出来某一小节 或者弹断了 接下来就完全不会弹了 5.练琴看谱子特别困难 更别说视奏了 我的试奏完全是零基础 拿到谱子完全反应不过来 我知道这样练琴弊端很大 但真的不知道该怎么改 不知道从哪下手 可能是从小养成的习惯就不好 基础知识也不扎实 我这样练琴已经10几年了 尤其是练难度大的曲子 几乎能把我逼疯 这种痛苦的感觉让我意识到我必须改正这样的练琴方法了 我知道这样练琴是绝对不行的 但真的不知道从何入手 也快艺考了 自己也很着急 请大家帮忙 分享一些经验 真的谢谢了!

题目中所描述,在学琴过程中碰到的困难很常见,而且各个短板会相互羁绊。以下是前阵子为钢琴初级学生所写的授课笔记,希望能有所帮助:

当我们弹视奏的时候我们谈什么
文 | Adytia

关于视奏的方法和评估标准在巴斯蒂安的教程里有详细介绍,这里不重复,只介绍在实际教学课堂上,钢琴教师的常规要求。

下面以学生Wen L为例,他正在学习巴斯蒂安钢琴基础教程《视奏》(三)
Page 19,这是一首16个小节、4/4拍号F大调视奏练习。

一,看谱看些什么?
①判断调性
②确认主和弦并且标注
③识辨不完整小节,
④节奏该如何设定如何结束
⑤看懂连线标记
⑥看懂结构并且分段落

二,关于弹奏技巧

①理解旋律与伴奏的音色层次
a.旋律线条听起来清晰优美
b.和弦的音色更弱只起衬托作用

②左右手的协调
a.右手旋律型
b.左手旋律型
c.左右手交替型

三,关于首调视唱
①将视奏练习用首调唱出旋律
②边拍节奏边唱
③用首调完整地边弹边唱

四,关于转调练习

* 转C大调
* 转G大调
* 转D大调

五,视奏评估标准
(来自巴斯蒂安教程的标准)
①你是否正确演奏了所有音符?
②你是否以正确的节奏来演奏,并保持了稳定的速度?
③演奏时你是否大声数拍?
④演奏到连线结束时,你是否提手“呼吸”?
⑤你是否按照力度标记演奏?

六,一些附加的高级要求
①能否标注调性与和弦
②能否用首调唱法视唱
③能否边弹边唱
④能否分析曲子结构
⑤能否转调

以上方法对于《拜厄钢琴教程》的学习同样适用。

2015年7月26日

在键盘乐器演奏的学习过程中,围绕着基础教程,还需要同步进行视奏、视唱、乐理、常用调式与和弦、即兴演奏和记谱的学习,将综合性的音乐基础知识与器乐演奏技能合理科学地结合在一起,才有可能产生良性循环,而不会瘸脚走路。

对于高级别学生来说,前面的内容也同样适用。拿到一份乐谱:

首先,要做到仔细读谱,缺啥补啥。确认自己是否了解作曲家、懂得作品的曲式和调性。

到了业余考级十级以上的水平,演奏者本身需要熟悉各流派音乐作品风格,认识并了解重要作曲家以及他们较普及的钢琴独奏作品,多听多学习。建立起自己的音乐聆听轨迹,这有助于你在接触一首陌生作品时,有效地在自己的听觉记忆中调阅出听觉印象。

曲式分析和调性判断从入门开始就应该贯穿整个学习生涯,无论处于哪个级别。这对于高难度乐曲的视奏更为重要。

其次,看懂作品的结构。

这也是一个需要积累的学习过程,从简入繁,练就独门武功,在第一眼看谱就能判别曲式及其结构,在内心构筑整个作品演奏轮廓。看看开头是否有引子,主题在哪、几个主题、发展部从哪儿开始哪儿结束、起承转合大概如何处理、段落与段落之间是什么关系?有没有转调?作曲家写作意图?

最后,学着像个指挥家那样读谱,想象

各声部关系如何?为什么这么安排?旋律线条怎么走动?和声总体走向?与旋律的关系如何等等。

以上这些都是读懂乐谱的要求,一首歌一个美美的脚印,总能获得进步的。

钢琴 乐理 管风琴 键盘乐器 钢琴学习

评价李云迪?

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李云迪与生俱来的儒雅高贵的气质,加上其天才级的钢琴水准,拥有这样高冷资本的人却生性腼腆,没有城府,简简单单,易于亲近。众人黑他为音乐巡演宣传造势,娱乐炒作,可能伤了大雅,污了阳春白雪,我只能说他背后的公司和宣传团队手法不高明,为了简单的宣传影响力伤害了李云迪本身的形象,而且宣传的目标受众定义混乱,宣传平台选择不当,这简直就是因小失大。能欣赏李云迪音乐魅力的人本就局限于小范围的人群,而且目前的中国国民人文素养的水平更限制了市场范围,大范围的国内巡演一开始就不合适,公司为了盈利进行适得其反的宣传而使李云迪反被众人娱乐调侃。他签约的公司一定有疑问,为什么李云迪在欧美国家风生水起,名誉在外,却在他的本土国家钢琴琴艺不被关注反而其本人频频遭受戏虐。
如果李云迪一直自持着他的资本,一直走着高冷的贵族路线,那么会有许许多多向往精英,憧憬贵族的人用崇拜的仰望视角拜倒在其脚下跪舔大神。可惜了李云迪早有了才华和修养,不把这些逼格当回事,冲击了一套约定俗成的装B模式,为庸庸众人借机调侃耀眼明星提供了机会。
以上是对网上黑李云迪借王力宏之类的炒作的黑点的评论。本人不懂钢琴,只是喜欢李云迪名气在外,人还谦和儒雅。现在李云迪钢琴技术之类的招高雅人士的黑,我也不懂,一些人用不着乘势挖坟吐槽,喜乐各取所需。judge别人前看看自己能做到什么程度。

音乐 钢琴 李云迪 钢琴表演

视唱练耳中,如何能记住标准音 “A” 的音高?

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在视唱练耳的训练中,只要钢琴给了小字一区的“A”, 就能唱准音阶,但是自己记不住小字一区的“A”的音高。

请问,有什么方法能记住“A”的音高

谢邀
固定音高不是天生就有的,尤其中国比较强调首调唱法,更不容易养成固定音高感觉。学习固定音高乐器,比如钢琴,有助于培养固定音高概念,但是如果学习声乐或者民族器乐就比较麻烦。

标准音的背唱是可以练出来的

1、可以借助电话和汽车喇叭,听到的时候可以跟着唱,训练一段时间后在听电话前先唱,然后听电话比对自己是否正确;2、借助钢琴,每次上琴前先哼一哼标准音,然后马上弹出来比对,但前提是钢琴的音准要准,年久失修走调的钢琴果断弃之。
其实说白了就是自己平日多哼哼,然后借助可靠工具来对比自己音准是否偏差然后改正。

有固定音高固然好,但是相对音高在平日的视唱练耳中帮助更大,你要摆脱对固定音高的依赖,熟记八度以内各种音程关系以及常用三和弦、七和弦的结构及音之间的关系,学会利用标准音来找音程甚至通过搭桥构筑和弦来找自己唱或者听的音,才能真正学好视唱练耳。

希望对你有帮助~

音乐 钢琴 乐理 视唱练耳

如何写出华丽丽有逼格的高/低音谱号?

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总是写得很难看惹,如果能写得有哥特感或者华丽丽的总之高逼格的办法就好了。,。

G谱号看起来更难画,因为涉及全圆,如果画的圆并不好看结果会比较歪。而F谱号则很容易画出一种符文的感觉,我就以F谱号当作自己的纹身。二者都是螺旋的画法,也有数学公式的窍门,我忘了是哪个定律了,掌握这些之后自然能画得好看………

音乐 钢琴 乐理 五线谱 曲谱

当众演奏乐器时有趣的经历以及克服怯场?

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我自己是业余的大提琴爱好者,当众演出经验很少,每次都感觉紧张得不行,胳膊不受控制,肩膀耸得要上天!一般到曲子后半段才能慢慢恢复正常。最逗的是拉琴时感觉自己的灵魂出窍,在头顶一米处俯视着自己……
爱音乐的朋友们,请问你们在演奏的时候是怎么克服紧张、胆怯的?有没有值得一书的演奏经历?

在大礼堂演奏肖邦,在最高潮( • ̀ω•́ )✧感情最充沛的时候( • ̀ω•́ )✧激动得一脚下去亢奋得没踩稳踏板,踏板猛得弹起来...平地一声雷....( •̩̩̩̩_•̩̩̩̩ )把自己吓得虎躯一震唉

指挥班级大合唱,激情的黄河大合唱.( • ̀ω•́ )✧..发着烧硬着头皮上,镁光灯照的特别眩晕,然后最后一个收尾动作用力过猛晕倒在了台上( •̩̩̩̩_•̩̩̩̩ )
据说场面特别壮烈( •̩̩̩̩_•̩̩̩̩ )好尴尬( •̩̩̩̩_•̩̩̩̩ )

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