拉赫玛尼诺夫既是作曲家也是钢琴家,那么他的钢琴演奏水平如何?

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二十世纪最伟大的钢琴家之二——拉赫玛尼诺夫Sergei Rachmaninoff
(1873年4月1日 - 1943年3月28日)

拉赫玛尼诺夫是历史上最有名的作曲家兼钢琴家之一,也无疑是20世纪最伟大的钢琴家。他的钢琴老师包括Nikolai Sergeyevich Zverev(1832-1945,俄国钢琴家、教育家,学生除了拉赫,还有Mily Balakirev和Scriabin等牛人)和Alexander Siloti(1863-1945,俄罗斯钢琴家、指挥家、作曲家,Zverev的学生之一,也师从过尼古拉.鲁宾斯坦和柴可夫斯基,1883-1886 年间追随过李斯特,是莱比锡李斯特学会的创始人之一,也是拉赫玛尼诺夫的堂兄)。1917年十月革命以前,他的主要精力都放在作曲上,他的大多数重要作品都是在这个时期写成的,比如前三首钢琴协奏曲,24首前奏曲,图画练习曲,第二交响曲等等。十月革命以后,他离开俄国前往美国,并逐渐专注于钢琴和指挥事业(别错过他令人吃惊的指挥录音,包括他的第三交响曲和《死亡岛》)。拉赫玛尼诺夫在1919年开始录制他最早的商业录音,他的录音一直持续到去世之前。 拉赫玛尼诺夫的全部录音见于1992年出版的RCA金印系列一个10CD套装中,2006年作为廉价套装再版发行。
拉赫在创作:

拉赫玛尼诺夫是一位纯粹的大师,不仅仅是因为他能够精确地弹奏所有音符,他的风格同样重要。如果你拿他的录音和他同时代的钢琴家对比过,比如帕德雷夫斯基(Ignacy Paderewski)、帕赫曼(Vladimir de Pachmann)、格瑞夫(Arthur de Greef)、弗里德曼(Ignaz Friedman)、霍夫曼(Josef Hofmann)等等,你会发现他的风格出乎意料的“现代化”。我觉得他信奉中庸之道,什么都不过度。他的演奏有着歌唱般美妙的发音。听听他的舒伯特(李斯特改编)录音!在我听它们以前,我一直觉得这些歌曲由人声唱出来要好听的多,但是当我听完拉赫玛尼诺夫以后就改变了主意。篡改一下卡拉扬对托斯卡尼尼的赞美之词:“没有不好的李斯特,只有不好的钢琴家”。尽管如此,他从来没有像霍夫曼和霍洛维茨那样故意“过分”地丰富和加重音色。他用一种平滑的节奏来演奏,从来不过快,当然也有极少数的例外,比如肖邦诙谐曲NO.3录音中风驰电掣的八度音。他没有试图用夸张的动态和感情流露,亦或用快速的节奏和极重的音量去打动听众。他的演绎富有感情但从不感情用事。他以敏锐、庄重、自然的演绎和完美的技术控制来征服他的听众。

拉赫玛尼诺夫喜欢用一种分析的心理去演奏。他经常性的寻觅曲子最深层次的含义。这个和霍夫曼早年演奏中流于表面化处理的一些录音形成了鲜明的对比。这点可以在拉赫玛尼诺夫的肖邦叙事曲NO.3的录音中被很好的证明。每个音符都被仔细的“打磨”过。你能听到他是如何细心的组织这部作品的,听他的演绎让人觉得有几分象是被带着进行一次冒险。他好像总是努力让自己的目的变得明朗。千万不要把这种解析式的演奏方法和一些“高智商”的钢琴家们算计好的,扮深沉的,卖弄学问式的演奏混为一谈。拉赫玛尼诺夫完全在更高的层次上。

他最重要的录音是那些演奏自己的作品,包括4 首钢琴协奏曲,帕格尼尼主题狂想曲、3首图画练习曲、8首前奏曲,还有大量的钢琴独奏小品。因为这些都是他自己的作品,所以他的录音自然具有最高的权威性。尽管今天“多愁善感”的诠释被广泛接受,但是他自己却用了一种淡定的、高贵的,甚至有些庄严的方式来演奏它们。我最喜欢的是他的第二次录制的第二钢琴协奏曲。节奏无以伦比,慢乐段听起来一点也不乏味。今天很多钢琴家演奏的慢乐段听起来极其无聊。还有一点特别的,今天大多数钢琴家演奏第三乐章的高潮部分慢得太多了。录音中有趣的一点是起始和弦(opening chord),他先弹奏每个和弦中的低音音符,然后再分别弹奏其他的音符。钢琴家们不可能这样做,因为他们的手不够大,不可能把它们演奏成用单手弹奏的和弦。拉赫玛尼诺夫当然是个例外,他有着钢琴家里最巨大的手(能很轻易的跨13度,14度稍勉强一点),所以我觉得他弹奏起始和弦有些与众不同。他录制的第三钢琴协奏曲不是特别令人满意。他的演绎不错,更多的表现了音乐的深度而不是技术的展示,但是我喜欢其他一些钢琴家的演绎更多一些,特别是霍洛维茨 (1978年和Ormandy合作)、范.克莱本和贾尼斯。尽管如此,他弹奏的第一乐章的华彩段落无疑是所有录音中最精彩的演绎之一。其他值得一提的是, 我喜欢高潮前面那段振奋人心的和弦,这个地方双手都有很大的跳跃。这首协奏曲我有很多个版本,除了拉赫玛尼诺夫外,可能只有Tzimon Barto在弹奏那些和弦的时候营造出这种音色来。

第三钢协华彩段:



演奏贝多芬的钢琴大师施纳贝尔曾经听完拉赫玛尼诺夫弹奏一首贝多芬的奏鸣曲后惊呼这是他听过最好的贝多芬。但是很遗憾拉赫玛尼诺夫从没有录制过任何一首贝多芬钢琴奏鸣曲。实际上,他只录了很少量的大篇幅作品。除了他自己的协奏曲,独奏作品他只录了肖邦的第二钢琴奏鸣曲和舒曼 的《狂欢节》,拉赫的演绎是这些作品有录音以来最重要的里程碑之一,尽管就我个人来讲可能更喜欢某些更“浪漫”些的诠释。在室内乐领域,拉赫玛尼诺夫录制了贝多芬小提琴奏鸣曲第八首,同时还有舒伯特的小提琴奏鸣曲D.574(常叫《二重奏》),以及格里格的小提琴奏鸣曲OP.45,都是同伟大的小提琴家克莱斯勒一起合作。这些录音展现了拉赫玛尼诺夫是位非常好的伴奏者的一面。尽管这是非常伟大的合作,但是我觉得克莱斯勒,这位伟大的小提琴大师在小品的演绎上,让音乐听起来有点支离破碎的感觉。

最后,我想举出拉赫玛尼诺夫的一个值得商榷的录音:莫扎特的钢琴奏鸣曲K.331里面的《土耳其进行曲》。到乐章完结部之 前几乎没什么问题。这是首2/4拍的曲子,每拍由4个四分音符组成。但是在拉赫玛尼诺夫演奏的完结部里,他在一些拍子里只演奏前三个四分音符,故意漏掉最后一个四分音符。其结果就是,这样演奏的那些小节都成了一又二分之一拍,实在让人迷惑。


以上
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华丽的分割后,楼上有朋友提到:不错,但并不是说最好,他自己就认为霍洛维茨演奏他的作品比他自己更好。

诚然,霍洛维茨弹奏拉赫的作品都可以说是上上之选,而且拉赫本人也赞赏过霍(包括演奏甚至是改编他的作品),但这样并不能证明拉赫的水平不如霍洛维茨。

我自己看到的资料里面,拉赫是在听过霍洛维茨弹奏他的第三钢琴协奏曲后曾经对朋友发出这样的感叹:“he swallowed it whole. He had the courage, the intensity, the daring”(大意是他已经完全消化了这部作品。他表现的勇气惊人、感情强烈、处理大胆)。但是,我认为这只是对朋友加后辈的褒扬和溢美,还有作为一个艺术家的谦虚。如果你看看霍洛维茨的回忆录和访谈材料,称赞拉赫玛尼诺夫是其“最伟大的朋友”,是他“演奏的灵感源泉”的溢美之词也比比皆是。

我在写这个系列另一位钢琴家约瑟夫.霍夫曼的时候,提到过这样一段:30年代早期,Henry Pleasants(《费城通讯报》的音乐评论家)曾经采访过拉赫马尼诺夫,其间他问拉赫马尼诺夫认为谁是健在的最伟大的钢琴家。拉赫马尼诺夫想了想, “好吧,”他说:“霍夫曼算一个。”然后又考虑了一下,“下一个就是我了。”他说。随后的事情,按照Pleasants先生的说法:“他(拉赫马尼诺夫) 闭上了嘴,不愿意再多说一个字了。”这时拉赫60岁,霍洛维茨这时也已经取得了世界性的声誉,当然也很难说在随后的只到拉赫辞世的10年中他有了新的看法。

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再次分割一下,前面有知友提到:我记得有哪个杂志曾经做过调查,钢琴家心目中的最牛钢琴家,拉赫第一。

这位知友提到的应该是2010年BBC音乐杂志的8月刊开辟的一个专题,由100位活跃在舞台上的钢琴家来评价他(她)们心目中20世纪最伟大的钢琴家,我把原书的扫描版贴在下面供大家参考吧。每个入选的钢琴家都推荐了他们的代表录音并引用了他们曾经说过的一句话。


最后一张图是所有参与钢琴家的投票情况。

前20位名单及得票数
20: Claudio Arrau(4)
19: Josef Hofmann(4)
18: Walter Gieseking(4)
17: Glenn Gould(5)
16: Murray Perahia(6)
15: Wilhem Kempff(7)
14: Edwin Fischer(7)
13: Radu Lupu(7)
12: Ignaz Friedman(8)
11: Kristian Zimerman(8)
10: Arturo Benedetti Michelangeli(8)
9: Martha Argerich(9)
8: Emil Gilels(9)
7: Artur Schnabel(12)
6:Dinu Lipatti(12)
5: Alfred Cortot(15)
4: Sviatoslav Richter(17)
3:Vladimir Horowitz(22)
2: Arthur Rubinstein(22)
1: Sergey Rachmaninov(23)

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最后,我想说Rachmaninov作为二十世纪最伟大的钢琴家之一绝对是实至名归的。

古典音乐 钢琴家 第二职业 作曲家 拉赫玛尼诺夫(Sergei Rachmaninoff)

如何评价《人物》杂志这次对李云迪的报道?

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在获得肖邦比赛金奖之后的12年里,冠军的头衔一直是李云迪最有说服力的广告语,也是他的保护伞。但这一点在波利尼、阿格里奇等前辈获奖者那里身上已经很少被提及,人们只记得他们是杰出的钢琴家,钢琴艺术在20世纪最后三十年的伟大开拓者,肖邦比赛至今以他们为荣。而李云迪刚好相反,他至今仍需要冠军的光芒照耀。

媒体 杂志 钢琴 钢琴家 李云迪

李斯特的钢琴演奏水平有多高?

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Alfred Brendel在Musical Thoughts and Afterthoughts (Noonday Pr,1991)中如此评价李斯特:李斯特是音乐史上最不可思议的革命者,有着大胆的和声、清新的抒情性、无法效仿的键盘音色,以及不可超越的技巧。他是一位具有崇高境界的全能演奏家。

在Patricia Fallows-Hammond编注的《钢琴艺术三百年》中这样论述:李斯特作为指挥家、作曲家、管理者、钢琴家所作的贡献包罗万象,从而已接近于实现其音乐应具体地表达出整个世界的梦想。

李斯特被普遍看成他所处时代最伟大的钢琴家,被誉为“大师中的大师”,他将钢琴技术发展到了物理上可能的极限。他的“超级技术”探索了钢琴的每一种可能,并继续向交响效果方向推进,他有时使用三个谱表来表示这种效果。他要求双手对所有种类的弹奏都要同样有力----八度(他长长的手指弹十度就像弹八度那样轻松)、和弦、重复音、以前所未有的速度经过的颤音,自由而适意地使用键盘的两端。

在他的手中,钢琴宛若十指间的玩具,却能肆意造出整个管弦乐队的交响效果。相比音乐上的创造性,仅评价他的演奏水平因小失大,过于简单粗暴,那些令人玩味不已的炫技作品也常常遭受诟病,可对此指手划脚的“纯演奏家”们对他史诗般的激情、圣徒般的悲凉又了解多少呢?

那些如宝石般璀璨的炫技风格作品充分体现了他在音乐思想上的扩展和创新,每时每刻响彻在世界各地音乐厅的上空,它们包括:

题献给克拉拉·舒曼的《帕格尼尼超级练习曲》Transcendental Etudes after Paganini R.3a(1838)该曲集被认为是钢琴独奏最难的曲集之一,共有六首练习曲:《G小调震音练习曲》、《降D大调八度练习曲》、著名的《钟》、《E大调琶音练习曲》、《狩猎》、《A小调主题与变奏》

三首夜曲《爱之梦》Liebestraum No.3 in A flat R.211(1850)流行最广的是最后一首,改变来自李斯特自己的歌曲。

《梅菲斯特圆舞曲》Mephisto Waltzes

除此之外,被广泛演奏的李斯特作品还包括:《匈牙利狂想曲集》、《西班牙狂想曲》、题献给罗伯特·舒曼的《B小调奏鸣曲》、《降E大调第一钢琴协奏曲》、《A大调第二钢琴协奏曲》、《幽灵曲集》等等。

李斯特作为一位巨星般的钢琴家,有许多八卦和桃色故事,这些东西也成就了他极度成功的演奏生涯,所到之处皆疯狂,背后的推手竟是一位名叫贝隆尼的乐谱抄写手兼仆役。李斯特可以被称为历史上第一个音乐会明星,而贝隆尼则是明星制度的创始者。

午饭时间到,有空再来添加“李斯特宣传术”、“欧洲鼓掌部队”和“李斯特狂热”。。。

写到这里才发现自己也变成一个哈李斯特的狂热分子了,瞧,李斯特就是这么被玩坏的!^ ^

钢琴 古典音乐 钢琴家 李斯特(Franz Liszt)

如何能够反复练习同一首钢琴曲而不感到厌烦?

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本人非音乐系学生,在练习某曲目的时候连续弹了三四遍再弹就没有动力了,不知专业学生怎么做到反复练习而不腻?

以个人学琴十几年的经历来谈,厌烦的情绪是难以避免的。但重点在于,是否能持之以恒,是否有精益求精的精神。

一般练习一首曲子会经历这样几个阶段:
1. 感到好奇。刚决定学习一首很好听的曲子,练习带着一种挑战新事物的兴奋,比较有动力。
2. 几次十几次之后,之前弹错的也差不多全对了。这时很容易感到已经“战胜”了这个曲子,动力和热情猛然退却。许多业余者就停在这一步——会弹即可。
3. 继续弹的人,就开始注重曲子的轻重、节奏、连贯等表达上和技巧上的完美。这要上百上千次的练习。(一般考级就是看这个成果)
4. 对曲子已经无比熟练,这时候可以加入个人演绎——这时的练习已经成为了一系列无止境的探索,每一次演奏都是不同的。

我学了这么久琴,考了好几次级,都停留在第三阶段。直到两年前受一位音乐指导启迪,略尝到第四个阶段(我想这才是演奏的幸福所在),从此没有一首曲子是“练习够了”的。

另外,不是说业余就不能享受到第四个阶段的乐趣了。即使技术不完美,也可以以个人的方式去演奏;音乐指导从来没有纠正我弹错的地方,反而鼓励我去忽视它们。

音乐 钢琴 钢琴家 李斯特(Franz Liszt)

王羽佳、沈文裕、郎朗、李云迪这几个青年钢琴家的演奏风格各有哪些不同,聆听感受又有什么差异?

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喜欢音乐,则不关心这些人到底考过什么级或者比赛得什么奖,最重要的是我们听众听音乐的感受和体验是怎么样的?大家各有什么偏好呢?最好能提供聆听链接。

泻药。
聆听感受是很个人的体验,我对是否有探讨的价值和意义持怀疑态度。
比如,知道李云迪南宁钟、工体蜂等车祸是怎么传播开的吗?前者是藕粉首先找到的视频,当作无价之宝,大师级演绎欣赏转发,才被云黑发现,震惊不已;后者更是藕粉相应李云迪号召,秒拍后当作肖邦金奖大师级的演绎转发炫耀,才被云黑发现的。
在藕粉眼里耳中,这些车祸都是美妙动人,远超其他在世及去世大师的。所以说,纯粹聆听感受的讨论,有意义吗?

古典音乐 钢琴家 感受 郎朗 李云迪

弹钢琴时如何完全放松手腕?做到不压手腕,只用手指

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补充一下我平时尝试使用的几种放松手腕的方法:1、手肘自然垂落并做轻轻的单摆;2、练习吊臂、断奏;3、在弹琴前先练手臂肌肉,让手臂肌肉劳累;4、在手腕上放一块硬币,跑动时不让它掉落……
这些我都试了可是看自己的演奏视频还是有压手腕的毛病,而且手腕也是有点酸的

谢邀、

我用的是这么个办法、

把手伸开放在琴键上、

用指尖后面一点触键、

用三关节带动手指运动、

这样的话、如果手腕有问题、整个手基本会处于一个非常诡异的状态、不好看也不好动…

钢琴 钢琴家 演奏 乐器演奏 手腕

钢琴大师演奏很长的曲子时真的不会出错吗?

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一个音都不会弹错?

鲁宾斯坦回忆录上写到,他观看霍洛维茨的音乐会。音乐结束后,霍洛维茨下来对他说:哎呀这一场弹错了两个音。
鲁宾斯坦写到他听到这句话时心里的想法:我愿意用我所有的财富换来一场音乐会只弹错两个音。

当然两个人都是绝对的大师。我只是想说,有的大师也有不少错音。你一个音都不错也不一定是大师。

如劳伦斯李所说(抱歉打英文好麻烦),老霍晚年音乐会错音一大把一大把的。他那么对鲁宾斯坦说的确有装逼之嫌。估计鲁宾斯坦也是故意把这事儿写出来的——我就是要让大家都知道你在装逼。
这俩大师一直互相不太看得上——他们的不少粉丝也是如此。

钢琴 钢琴家 乐器演奏

开钢琴独奏音乐会是怎样一番体验?

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个人业余爱好钢琴,估计这辈子可能也不会有这种体验了,所以想问问专业的同学是怎样的体验?好生羡慕。不过我的人生梦想清单上还是有在一个小画廊或者小书店请几个朋友听我的一个小小的独奏音乐会,呼(我是指严肃音乐哈,轻音乐流行音乐就不要回答啦

决定来写写自己的感觉把。

开音乐会 分为三个阶段:
准备阶段:
这个时候的我们, 琴房就像个磁铁, 或者像个紧箍咒, 任何的社会活动貌似都跟我们没有太大的关系。 有句话很能概括这个感觉“我不在琴房, 就在去琴房的路上。” 这个阶段, 太多的血与泪了, 各种performance, 弹砸了于是去琴房搞清楚怎么砸了。 弹好了, 去琴房听听自己的录音/录像,是怎样的一种好? 能否复制的好?反正各项活动都是琴房, 有种 “琴房已一日, 世上已千年” 。。。
开音乐会中: 我基本上不太会想我弹砸了怎办? 这个估计应该是我专业老师担心的事情, 还好~ 我有多少, 拿出来多少...
开完音乐会:每次看完solo recital, 我都有好一段时间飘飘然, 我觉得我什么都不怕了, 什么都是小case 了。 然后这种状态一直延续到下一场音乐会之前, 我老师开始狂骂为止....
总而言之, 还比较爽... 自从开始开音乐会之后,我再也不玩刺激的节目了(过山车/跳楼机, etc.) 因为我觉得, 真心木有比开个人音乐会再刺激的事了... 刺激的 随时都能嗝屁过去。。。。

音乐 钢琴 钢琴家 音乐会 独奏

Vladimir Horowitz 是否过誉?

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其实这个问题都不成其为问题。
Horowitz在上世纪古典钢琴领域的地位有些类似于小提琴领域的Heifetz,
从同时期演奏家的唱片数量就能看出端倪,他们都是“超级巨星”一般的存在。
当然,钢琴界的“角逐”可能更激烈一些,而Heifetz则一骑绝尘。
霍去世20周年的时候写过一篇文字,转给你看看吧。

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霍洛维茨逝世20周年祭

Vladimir Horowitz
(Oct 1, 1903 - Nov 5, 1989)

霍洛维茨可以说是20世纪最有名气的钢琴家。1903年生于基辅,幼年和母亲学琴,1912年进入基辅音乐学院,师从Vladimir Puchalsky、Sergei Tarnowsky和Felix Blumenfeld。1925年,他离开苏俄,名义上是去向Schnabel问道,实则是逃离那个曾让他为面包黄油而演奏的国家。只到1986年他才再 次回到苏联,在莫斯科和列宁格勒举行了两场轰动一时的音乐会。比较离奇的是他一生中四次淡出舞台:1936-38年,1953-65年,1969-74年 和1983-1985年。如果想深入了解霍洛维茨,可以参考Harold C. Schonberg的《Horowitz: His Life and Music》。

霍洛维茨,对我而言,是20世纪最伟大的钢琴家。他的技术几乎可以比肩Hofmann,虽然从某种意义上这种比较不太合适,毕竟两人各擅胜场。他的演奏充满丰富的色彩、大量的节奏变化和强大的动力。霍的想象力是无以伦比的,从他的演奏中经常能听到大量的创造性演绎。最重要的一点,他从不刻意或者说浅薄地使用上面这些“工具”来取悦听众。他具备高超的音乐智商,演奏起来极具洞察力,他的演奏技巧完全是在为他的音乐目标在服务。他“砸钢琴”有时候被舆论描述为过于“夸大其词”,不过他“砸钢琴”和其他钢琴家完全不一样,他创造出的那种音响,其他任何钢琴家也做不到,无论是 Bolet、Wild、Argerich、Hamelin……他们都是有能力演奏出巨大音响的钢琴家,但是没有一个人可以创造出霍洛维茨那种音响,因为他们对钢琴这种乐器的认知程度不及老霍。1980年版本的《格罗夫音乐辞典》上Michael Steinberg 这么评价老霍:illustrates that an astounding instrumental gift carries no guarantee about musical understanding(大意就是虽然老霍具备惊人的乐器认知天赋,但是却不能保证他的音乐洞察力)。批评者尚且认可他的这种天赋,可见一斑!当霍洛维茨以大音量演奏的时候,经常表现出比其他大师更深思熟虑的一面。他的演绎整合了眼花缭乱的钢琴技术和演奏智慧。以上种种使他的演绎听起来达到了顶级的层次,也让他成为20世纪最受追捧的钢琴家。霍洛维茨的录音是钢琴历史上最值得研究钢琴艺术,下面主要谈谈我最喜欢的一些霍氏录音。

Liszt-Busoni :Paganini Etude No.2
这 个1930年的录音可以说是年轻的horowitz的杰作之一,3分钟出头的录音听起来让人毛骨悚然。节奏、清晰度和速度无以伦比,从开始到1分25秒 间,单音阶和半音阶伴随着连锁式的八度音听起来极其震撼。1分25秒到2分钟之间,充满了让人窒息的八度音,而且越来越快,这一段他故意漏掉了很多音符, 但是对整体的感觉没有任何坏处。除了这首练习曲,老霍只录了一首李斯特的练习曲Paganini Etude No.5,naxos已经出版了,不同于一般钢琴家演奏的1851年版本,他演奏的是更难的1838年版。他早年也演奏其他一些练习曲,可惜都没有录音。

Liszt :Funerailles
这个录于1950年的片段(原曲大概8分多钟,霍演奏了大概7分钟的内容)是无以伦比的,仔细听左手的八度音,听完后只有一个感觉:Crazy!这种兴奋只有在老霍的录音里才能找到。

Sousa-Horowitz :The Stars and Stripes Forever
录 于1951年。这个录音可以说是有史以来最“闹腾”的钢琴录音了,可以与之比肩的恐怕也只有他老丈人的一些乐队录音了。这部作品也是老霍最受听众期待的返 场曲之一。老霍不反对去修改的作曲家的作品,因为他觉得一些作品本身不太“钢琴艺术化”或者结构上太蹩脚,最有名的恐怕就是修改穆索尔斯基的画展了。 1940年,在拉赫玛尼诺夫的同意下,老霍创造了自己的拉赫第二钢奏的版本,Grimaud演奏的就是这个版本。所以,这种“音乐家+老霍(Sousa- Horowitz)”的抬头在他的录音里会很常见。整部作品大概4分多钟,老霍双手在键盘上翻飞,尽管有大量的跳跃,但是却听不出任何勉强之处,殊为惊 叹。

Liszt-Horowitz :Hungarian Rhapsody No.2
录于1953年,老霍完全重写了这个曲子 的后半段“Friska”部分,前半部分只做了微小的改动,让整首曲子听起来极具独创性。这个演绎,和Lhevinne演奏的Schulz-Evler的 On the Beautiful Blue Danube一样,可以说是我听过的最为眼花缭乱的演奏!前半部分,某些地方听起来稍显夸张,但是大多数人都只关注老霍改过的后半部分。在 “Friska”部分,霍洛维茨弹奏了两个主题,有时甚至是三个主题一起只至终曲,听起来就仿佛有4只手同时在键盘上弹奏。这种难度能让人发疯,因为你甚 至来不及决定去跟上其中任何一个主题。只有霍洛维茨才能创造出这样神经质的效果。我至今不能相信,老霍是如何做到在八个跨度上,用右手的第一指和第二指演 奏一些半音阶,第五指弹奏主题。而且听起来这些半音是如此的连贯,而间断的主题又是如此清晰,就好像音阶和主题是用两只手在演奏一样(老顽童的左右互博, 老霍在一只手上完成了)。Volodos是后来唯一一个录过这个版本的钢琴家,可惜就技术和刺激性而言,跟老霍差的不是一星半点。

Chopin :Scherzo No.3, Op.39
录 于1957年,是这部作品的最好演绎。Argerich的1961年名演和这个录音比起来黯然失色。从5:53秒开始的终结部,是有史以来最为激动人心的 演奏。可以留意到他很少用踏板,而大多数钢琴家在这段中都严重地依赖踏板,老霍超一流的技术让他仅凭手指就可以演奏出目眩神迷的效果。

Rachmaninoff :Etude-tableau in E flat minor, Op.39 No.5
录 于1962年。老霍演奏任何拉赫玛尼诺夫的作品都是无以伦比的。我第一次听他演奏这部作品的时候,立刻被他的充满活力的演绎所感染,迫不及待地拿出已有的 Ashkenazy的同一个录音进行比较。只听了一个小节,我就断定老霍的演绎比阿什高明十倍。霍洛维茨的演绎是如此的汹涌澎湃,而又驾驭自如。拉赫玛尼 诺夫自己没有录过这部作品,不过我相信即使拉赫自己录过这部作品,也不可能比老霍的版本更刺激。我真是喜欢霍洛维茨演奏的令人印象深刻的拉赫风格的作品。

Scriabin : Etude in D sharp minor, Op.8 No.12
录制于1962年。这是另一个让人亢奋不已的演绎。这个标识性的“霍式小品”他前后一共录制过五次,这一次是最好的。从1990年买了这张CD以来,这首曲子我听了不下300次。
37 秒处的抑扬顿挫是典型的霍氏演绎,是如此的难以描述。贯穿全曲的大量的音量突变和急停让人如此印象深刻。从1分19秒开始至尾的重和弦是如此惊人。自从听 过这个演绎之后,手上Berman、Richter和Barere对我而言已经没有任何意义了。唯一遗憾的是这部作品只延续了2分钟多一点点。

Beethoven :Piano Sonata No.8, Op.13 “Pathetique”
录 制于1963年。这个录音我觉得是留声机历史上最让人惊奇的事情之一。霍洛维茨可以如此出色地演奏贝多芬!这个演绎是如此出色,甚至可以和Arrau两个 月前的出色诠释等量齐观。在第一乐章的引子部分,老霍演奏的稍嫌轻佻,我更喜欢Arrau营造出的深沉气氛。但是来到主题部分,霍洛维茨已经和Arrau 一样具备了强大的驾驭力和推动力(听听他们俩的左手部分),这个特征,其他贝多芬专家,如 Schnabel,Backhaus,Kempff,Serkin和Brendel的录音里都没有。第二乐章被演奏的很出色,用了一种美丽而富有歌唱性的 音色,虽然偶尔音量显得有些过头。我最喜欢的部分来自第27到29小节,27小节的降B足够响亮,延续时间也够充分,让29小节的C听起来就像一个优美的 绵延不绝的旋律线。这太奇妙了!第三乐章也很精彩。他用了一种忧郁的音色,我觉得这正是演奏末乐章所需要的。大多数钢琴家演奏起来过于欢快了。Arrau 同样营造了一种忧郁的气氛,甚至比老霍演奏的更为沉重。不过霍洛维茨更细致,音色也更加漂亮。总的来说,两个演绎都非常出色。这里霍洛维茨向我们展示了他 有能力击败任何贝多芬专家。他私下还演奏了其他一些贝多芬奏鸣曲,其中包括Hammerklavier,听起来类似于Serkin的处理方法。

Scarlatti :2 Sonatas, K.466 (L.118) and K.481 (L.187)
录 制于1964年。这两部都是平静的作品。老霍总是用他的响度来刺激听众,但是他同样也能在这种宁静的音乐里感染听众。这里可以听到他是如何控制每个音符的 力度。当用这样低的音量演奏的时候,把音符演奏的平滑都很困难,但是他很容易就做到了。能达到这样超人的技术水平实在令人难以置信。旋律线听起来如此的顺 滑、流畅、轻松。从1928年到1986年,斯卡拉蒂的录音贯穿于他整个演奏生涯中,但是这两首最使我感动。和这个录音相比,他早年的版本少了些甜美和个 性,晚年的演绎则经常显得太过怪癖和因为使用踏板而显得过于拖沓。

Mozart :Sonata in A, K.331
录制于1966年。我喜欢这个录音主要是因为它听起来很新鲜。我已经厌倦了其他人那些传统式的演绎。这里,霍洛维茨在他的演奏里引入了大量浪漫主义元素。第三乐章的土耳其进行曲非常出色。他采用了一种行之有效的较一般演绎偏慢的速度来演奏这一部分。

Liszt :Vallee d'Obermann
录 制于1966年,如果你只想买一张霍洛维茨的唱片的话,我肯定会推荐这一张。不仅仅是因为它是最好的,更重要的诠释了霍洛维茨的风格和个性。他魔术般的触 键、丰富多彩的音色、抒情诗般的柔美乐段、创造力、独一无二的自由速度、宏大的音响、雷鸣般的和弦、非同一般的张力、令人振奋的刺激感、风驰电掣的八度, 所有的这一切都包含在内。你甚至还能听到他在一些地方的巧妙的修改音符,其中一些改动实际上是他从李斯特的更早的版本里“借”来的。顺便说一句,我觉得这 是李斯特最伟大的作品。

Rachmaninoff :Etude tableau in D, Op.39 No.9
录于1967年。对于这张碟我没什么可说的。这完全就是另外一部为霍洛维茨的激情风格量身定做的炫技作品。可以留意到他演奏了很多错音,但是它们并不影响整体效果。就像往常一样,曲子一结束听众就疯狂了(这是一次现场录音)。

Rachmaninoff :Polka V.R
录 于1977年。这个录音听起来实在很享受。采用了极端夸张的表现手法,但是这种夸张只适合这部特别的曲子。他是如此富有乐感,在演奏中揭示了许多内在的声 音,这在作曲家自己的录音中都听不到。再一次地,霍洛维茨击败了作曲家。大概3分48秒的地方,我们可以听到从观众席发出类似于笑声的杂音。我很想知道霍 洛维茨那会做了什么。做了个鬼脸?吐了吐舌头?或者搔了搔屁股?

Rachmaninoff :Concerto No.3, Op.30
录 于1978年。这部作品他一共有三次商业录音(如果要算上和Mehta的那次录像的话就是4次),另外两次的录音时间是1930年和1951年。大多数人 更喜欢他30年和51年的录音,批评他这次录音的怪癖和粗糙发音。另外还有一次1941年他和Barbirolli合作的广播录音,虽然这是很多人最喜欢 的拉赫第三,但是我觉得过于炫技而且没有任何道理地采用了过快的速度。我最喜欢78年这次演奏主要是因为全曲饱含忧郁和乡愁的感觉。几乎其他所有钢琴家演 奏这部作品的时候都当成一部炫技作品,但是这次录音中霍洛维茨则集中表现了作品感性的一面,催人泪下。没有人在演奏这部作品中比霍洛维茨投入更多的感情。 实际上,我同样喜欢他的怪癖和稍显粗糙的发音,这些让这次演绎变得很迷人。第一乐章华彩段落的错音太不可思议了。当其他钢琴家演奏错音的时候,音乐听起来 很蹩脚,但是霍洛维茨做同样的事情,音乐实际上听起来更好听了。这是一个伟大音乐家的特征。事实上,他承认他经常故意演奏错音是为达到音乐目的。大量的节 奏和速度变化带来了一种极其神经质的效果。很难想象,年届74岁高龄的老霍是如何演奏这样繁重的“体力劳动式”作品的。有一点我要指出的是,这个录音里听 到的反常的粗糙声响,是在钢琴家的要求下,调音师过分打磨了槌子的结果。顺便说一句,拉赫本人曾经听霍洛维茨演奏过这部作品,发出这样的惊叹:“he swallowed it whole. He had the courage, the intensity, the daring”(大意是他已经完全消化了这部作品。他表现的勇气惊人、感情强烈、处理大胆)。

Liszt :Consolation No.3
录制于1979年。再一次地,我们能听到他精美的魔术般的触键。还有很多极富创造力的弹奏和最深厚的情感流露。只不过录音里观众的咳嗽也太过火了。

Rachmaninoff :Sonata No.2,Op.36
录 于1980年。这是个奇迹。他举行这场音乐会的时候已经76岁高龄了,但是他仍然能够演奏这样高要求的作品,而且如此有说服力,如此激情四射。早在 1968年他录过同一首曲子,那会比现在年轻12岁。但是让人吃惊的是年事已高的霍洛维茨的演奏更蕴含能量。他的演奏很有些怪癖,但是这种怪癖在这首作品 里却很适用。第三乐章是不可思议的,在3到4秒左右,霍洛维茨玩了一个天才般的小把戏,这里有个多余的降G音符,听起来就好像是走音了一样,但实际上正是 老霍想要的效果——听起来更印象深刻、让人兴奋。只有他才能出这种“错”。在激情四射的乐章完结部,你能享受到最高层次的听觉刺激。再一次地,听众变得疯 狂了。

Chopin :Scherzo No.1, Op.20
录于1985年。这个疯狂的演绎太杰出了。他用了一种反常的慢速 来演奏,听起来比别的钢琴家和老霍以前那些高速的录音好很多。很多细节在高速演奏下根本听不到。他以一种最别致的方式来演奏,左手用了一些处理漂亮的重 音,还有一些意料之外的急停和声音效果。在7分59秒到8分02秒的地方,有几处错音,但很有可能是霍洛维茨故意弹错的,听起来不但没有对音乐产生不利影 响,实际上却是提高了音乐的精彩度。总的来说,这是一次魔鬼般的演绎。

Schubert :Sonata in B flat major, D.960
录 制于1986年。 这部奏鸣曲本身冗长而啰嗦,就好像舒伯特的很多其他作品一样(典型的如“伟大”交响曲)。但是诗意的钢琴家,用他丰富的音色和力度调色变幻,成功的将这部 作品演绎成为一部极其迷人的作品。就连第一乐章开始,原来听起来足有5分钟的啰嗦的重复句也成了必不可少的部分了。这是我的舒伯特收藏中最常听的一张 CD。

Chopin :Mazurka in C sharp minor, Op.30 No.4
录于1986年。来自霍洛维 茨在莫斯科那张唱片,我认为这是霍洛维茨留下的最好的玛祖卡录音。他极度夸张的演奏蕴含着很多神秘元素。从大概1分35秒左右开始提升音量到1分45秒左 右的最高潮段落弹奏地极其漂亮。就这个演绎来说肯定超过了鲁宾斯坦的权威录音。鲁的录音对比起来就显得乏味和过于直率了。但是总体上,鲁宾斯坦演奏玛祖卡 比老霍强。

Scriabin : Etude in C sharp minor, Op.2 No.1
录于1986年。同样也是来自霍洛维茨在莫斯科那张唱片,这可能是有史以来最为安静的一张钢琴录音。很多音符刚刚好能被听见。他的演奏带着些许忧伤。现在要找到这样动人的录音已经很不容易了。

Wagner-Liszt :Isolde's Liebestod
录 于1989年10月25日、27日,11月1日。为了录制这部作品,这个传奇钢琴家整整用了3天时间。录音完成4天后,霍洛维茨与世长辞。极少能听到如此美的琴声,充满了深厚的激情。正如他以前的一些录音一样,有很多不同的音色和速度变化。但是听这个录音的时候让人觉得最终大师完全掌握并了解了什么时候和 如何去运用这些音色和速度变化的秘密。他已经很好地运用了这些长达数十年,但是他从来没能达到完美的境界。有些时候太过放纵,有时候又存在不必要的夸张。 在近乎80年的不懈尝试和改进后,最终他达到了完美!因此,我认为这是霍洛维茨最好的录音,也是他传奇一生的最完美的句号!

兹以此文纪念霍洛维茨逝世20周年。
于2009年11月20日

古典音乐 钢琴家 弗拉基米尔·霍洛维茨(Vladimir Horowitz) 过誉

不练琴时,钢琴水平的退化曲线是怎样的?

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由于高考原因,迫于家庭压力,我不能保持每天练习。只能在周末抽空练习。
尽管学(玩?)过许多年,现在的水平仅仅是车尔尼849水平。
一周不练琴,会有什么幅度的退化?
或者,一年不练琴,会有什么幅度的退化?
或者水平太低,不用考虑退化的问题?

卸腰。

乐理知识是最不容易忘的,就像小时候认得了汉字,哪怕生活在别的语言环境里几十年,基本上也不会忘记怎么识字。

识谱能力在一段时间不会有明显的下降,但是如果离开了音乐很久,还是会生疏。

会背谱演奏的保留曲目刚开始会都记得,但是过一段时间不弹之后就会快速遗忘,但最后一定记得一部分,也就是说能够勉强想起来弹下来。

手指技巧是一天不练都要退化的,越到高难度越是如此。

音乐 钢琴 钢琴家 乐器学习

傅聪的钢琴技巧怎么样?

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傅聪在他练习钢琴的黄金时候与他父亲的关系并不好,也中断了钢琴学习大约是14-16岁。其实这段时间是一般人技巧完善的阶段,后来到了18岁才开始重新苦练。有兴趣的话可以去听听他自己录得肖邦练习曲全集,大约是20岁左右时候录的,一个当中停过3年系统练习的人在当时还能将肖邦练习曲弹下来,我觉得他的技巧不能说是不好,当然说不上很惊艳。当然,后来他公开演奏多演奏肖邦和莫扎特的东西有技巧方面的考虑,但他的技巧说不上出类拔萃但足以应付他自己演出的需要。

音乐 钢琴 古典音乐 钢琴家 傅聪

小提琴家,钢琴家等器乐演奏者平常洗碗吗?

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别怪我问题小白!
器乐演奏家对手指要求灵活度高,会不会洗盘子?因为伤害手之类的理由。当然不止洗盘子还有搬重物等等伤手的体力活,你们平常会不会干?

另外我想问职业小提琴家实在没钱了,会不会去打工?而选择只有洗盘子(不要打我,脑洞有点大)

我也不知道洗碗到底伤不伤害手,但因为这句话,我逃避了许多劳动


向说出这句话的人示以最崇高的敬意!

钢琴 钢琴家 小提琴 小提琴家

只论钢琴水平,钢琴家如郎朗、李云迪比王力宏、周杰伦或者一个业余牛人强在哪里?

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点了很多答案没有帮助。是真的没有帮助。 知友们能否尽量避免“普通打篮球的和乔丹科比差距在哪里”来作为看似有道理实则说了等于没说的作为回答。 如果一个对篮球了解不深的朋友问我这个问题,我一定告诉他“身高、体重、速度、力量、爆发力”等全方位差距,而且这种全方位差距用肉眼感官一下就能判断出来。 但是普通人谁能用耳朵分辨同一首歌是周杰伦弹的还是郎朗弹的?(比如同样弹一首《安静》的伴奏,郎朗和周杰伦的区别是?)假如有人能回答“他们手指弹速差距巨大郎朗一秒弹20个音,周杰伦只能弹5个”,这样带上数据的回答不就能让普通知友都理解了吗? “周杰伦,只能糊弄外行哈哈。” 作为一个外行,如果你能详细说说周杰伦是怎么糊弄我的,那这个答案才能得到赞啊。

谢邀,其实这个问题可以直接从触键技术的音响效果变化来分析,而针对此问题,本人的本科毕业论文就是这个研究方向……研究生也是做这个方向……现阶段研究讨论比本科时更成熟一些……感兴趣我可以发我本科时写的那篇论文给你看一下……
讲一下具体的对比吧:
(注:本人只从触键技术来谈该问题,不涉及音乐情感体验及曲式理解等其他诸多构成乐曲表现力的其他方面)
进入正题:
我做了很多实证实验,用仪器分析了单音快下、慢下各种以速度为分类依据的触键状态引发的音质变化。我做的这一系列实验可以解答你提出的“周杰伦弹一个音和李云迪弹一个音,闭上眼睛你怎么知道是谁弹的”这个问题。答案是:如果两个人使用同样的触键方法、几乎一致的触键速度和离键速度以及力度,那么确实是很难分辨的。
so,钢琴演奏的艺术不在于单音的表现,而在于音与音链接起来而形成的复杂的和声效果的表现。
有没有钢琴家只弹一个音表演呢?有没有钢琴乐曲只有一个音符呢?没有
所以、单音的练习只是训练手指而不是艺术最终的目的。演奏的最终目的是通过对单音的训练更好的掌握音与音之间的链接关系。
钢琴家与业余者的区别就在于,钢琴家通过长期的训练对键盘有更细微的控制,举个例,假如我们把键面到键底大概几毫米的距离形容成楼梯、那么钢琴家的手指控制能力可以把它表现出十层楼或更多的区别,而业余爱好者可能大致能做到半下键、直接到键底两种变化。
这些变化对音响效果的影响是显著的,在具体乐曲演奏中时对音与音链接的正确把握构成了丰富的审美体验。
因为业余者缺乏精湛的触键技术去把控、所以在乐句演奏时很容易就听出差别了。
所以、我再重申一遍、钢琴演奏不是单音的艺术、而是和声世界……
其实你这个问题提得很好、要解答这个问题也不是三言两语能说清,我花了三四年来写这篇论文还没有写成熟……在论文未发表之前相关数据和具体实验分析不方便提供,感兴趣的话可以后多交流!^_^
(正在赶车的人手机打那么多字、眼睛都要花了……)

钢琴家 周杰伦(人物) 郎朗 演奏 李云迪

Glenn Gould 和 Bill Evans 两人有怎样的交集?

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查了一些讯息,说到古尔德非常喜欢比尔·伊万斯的爵士表演,认为它深深打动了自己,长年来对自己有超乎寻常的影响力。他们互相倾佩,有讯息提到他们二人还一起去买斯坦威钢琴。

作为具有先锋精神的古尔德,他也时不时弹爵士。

比尔·伊万斯在1963年的那张获格莱美最佳爵士专辑奖的Conversations with Myself就是用了古尔德的斯坦威CD318钢琴录制的。

关于两人交集的文献很多,但是光凭记忆和有限的资料只有这些。
期待更多有效回答。

音乐 钢琴 格伦·古尔德(Glenn Gould) 钢琴家 Bill Evans

郎朗是不是中国水平最高的钢琴家?

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我觉得郎朗不是中国最好钢琴家 只能说商业化演出最成功的钢琴家 不知道我的这种观点有人认同嘛

题主没有黑人的意思 只是说是不是他本身商业化程度太高了?

原文:“我觉得郎朗李云迪他们不是中国最好钢琴家 只能说商业化演出成功的钢琴家,不知道我的这种观点有人认同嘛?”


不认同。
郎朗演奏水平本就是世界顶尖级别,希望你们小白不要总是把郎朗和李云迪放在一起比较,毫无可比性。

钢琴家 郎朗

如何评价肖邦的四首叙事曲?

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特别喜欢肖邦的叙事曲,感觉内容很丰富,听了有不下百遍了。

这是肖邦非常惊人的作品,四首短短的作品包含了太深刻复杂的爱与恨,不清楚叙事曲对于肖邦意味着什么,在这四首曲目里,能听到从未有过的悲壮,大师把一种特殊的感情,或者说回忆,直冲进这四首曲目里,叙事性,画面感极强,我每次听到,总会想起很多,这是可以让你落泪的音乐。

g小调第一叙事曲Op.23  
  有人认为这首叙事曲是取材于密茨凯维茨的《格拉辛娜》,但一般认为应是密茨凯维茨的史诗剧作《康拉德·华伦洛德》。这部叙事诗剧写11世纪立陶宛被日尔曼骑士兵团所灭,立陶宛后裔华伦洛德被敌俘虏,并被抚养成人,受到敌方重用。立陶宛老人乔装成唱诗的歌手深入虎穴,得以接近华伦洛德。通过反复启发教育,终于使华伦洛德醒悟,立志牺牲个人为祖国效力,最后终于使立陶宛人得胜,而华伦洛德却被敌人处死。
  在这首叙事曲中肖邦概括了这个故事的精神并具有史诗般的气概,但没有写实性的描写。乐曲的序奏具有叙事诗的意境,就像是立陶宛老人在拨动琴弦边叙述边唱歌,以启发华伦洛德的爱国意识,乐曲的最后仿佛是在描写华伦洛德慷慨就义,以个人的牺牲换取祖国的胜利。舒曼十分推崇这首曲子,他说这首乐曲“是肖邦最粗犷而又最富有独创性的作品。” 
  乐曲采用自由奏鸣曲式写成。具有庄重的宣叙调特点的8小节序奏之后,出现了安详而略带忧虑的第一主题,老人开始回忆和讲述一个遥远的故事。第二主题是舒展明朗的,使人感受到华伦洛德在知道自己身世后的感慨之情。这两个主题在展开部构成了惊心动魄的戏剧性效果,第一主题不断地增强悲剧色彩,第二主题则发展成具有英雄气概的主题,以至在第二主题再现时,绝然不同于呈示部那抒情温柔的形象,已成长为成熟的、誓为祖国雪耻的英雄形象了。乐曲的尾声将全曲的情绪再一次推向高潮。结尾是悲壮的,象征着华伦洛德为国壮烈捐躯的英雄气概。

F大调第二叙事曲Op.38
  肖邦曾说,当他要写这首叙事曲时,是受密茨凯维茨的长诗《斯维台茨湖》的感动。那首长诗也是写立陶宛古代的爱国故事,大意是:立陶宛遭到异族侵略,青年人都去前方作战了,当留在城里的老幼妇孺听到敌人已迫近城门时,他们无力抵抗,只得乞求上苍,宁可让洪水淹没城市,与敌人同归于尽。果然,奇迹出现了,城市变成了一片湖泊。经过许多世代以后,立陶宛后裔漫步湖畔,探寻着这古代传说的遗迹。突然,有水仙从湖底浮起,向人们讲述了这个故事,然后又潜身返回湖底。
  同样,肖邦这首叙事曲也并非是对这首长诗的具体描述。它由平静、优美的抒情乐段和暴风骤雨般的戏剧性乐段交织构成,我们只能根据它特定的音乐形象和情绪气氛,对密茨凯维茨的长诗进行一定的联想。

降A大调第三叙事曲Op.47 
  舒曼曾解释这首乐曲说:“这首叙事曲的形式、特征与肖邦的初期作品全然不同,应该说是属于最具有独创性的创作。”这首叙事曲不像前两首有那样激烈的戏剧性,而仅有一定的叙事性和抒情性。也有人认为它与密茨凯维茨的另一首写斯维台茨湖的长诗有关,这首长诗是叙述对爱情不忠诚的人终遭报应的民间传说故事,但至今无法确认两者的联系。

  乐曲开头的两个主题的对比性质与第一叙事曲接近,但出现于叙事性的第一主题之后的舞曲性质的第二主题,有如一幅独立的画面,使其具有中间插部的性质。第三主题实质上是第二主题及其移调再现之间的间奏部分,但它具有主题的功能。

f小调第四叙事曲Op.52
  这首叙事曲是肖邦晚期心情的自我抒发,没有较为具体的标题性。在结构上采用了奏鸣曲式与变奏相结合的方法。在这里,具有忧郁和幻想气质的抒情、叙事性的主部主题通过变奏发展加强了基本感情的色彩。在第三次陈述时,性格上起了变化,变得充满了悲剧性的热情,而在再现部中最后一次陈述时,活跃而紧张的运动带来了惊惶不安的色彩。副部则用了和声变奏手法,是明朗、柔和的抒情主题获得了色彩的变化。

音乐 古典音乐 钢琴家 萧邦(Frédéric Chopin) 钢琴曲

莫扎特的作品该如何演奏?

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连奏还是还是非连奏?装饰音应该如何演奏?(前置还是放于正位?)颤音应该如何演奏?

如果你是自己彈着玩玩,找自己喜歡的鋼琴家的錄音,臨摹之即可。有人說莫扎特應該像蕭邦那樣彈,蕭邦應該像莫扎特那樣彈。這是一種思路。

但如果你是職業鋼琴家或是鋼琴系學生,這種問法就是不對的。正確的做法是先研讀樂譜,然後自己決定這些問題的答案,而不是叫人給你設定一套規則。

一般性的「正確」規則,老師都會教。例如巴赫的裝飾音應該放於正位,莫扎特的應該前置。但你可以聽聽看 Glenn Gould 對巴赫的裝飾音處理是多麼自由。

钢琴 古典音乐 莫扎特(Wolfgang Amadeus Mozart) 钢琴家 钢琴曲

音乐会结束后去后台找指挥或者钢琴家合影是合适的行为吗?有什么需要注意的地方呢?

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微博关注的群体里经常能见到有人晒音乐会后和指挥或者钢琴家的合影(其中还颇多大师,比如席夫,sokolov,巴伦博伊姆,朗朗等人)。我虽然也算听得比较多了,但都是音乐会一完就走...最近有个比较火的钢琴家要来我们村演出,我也想着是不是厚着脸皮去要个合影装个X什么的,主要也是为了在妹子面前露脸。但不知道如果是素不相识的普通乐迷去要合影是不是合适...

当然合适啊,这就像你吃到可口的饭菜一定要当面夸赞厨师一个道理哇T^T。不过,很多时候不太容易混进去的,越大牌越不容易。除了音乐会后台,get到合照可以有这些方式:

1. 签售。
有些主办方在演出结束后,会安排唱片签售或是乐迷见面会,这是普通观众能和音乐家合影、握手、么么哒,最自然的方式。

2. 大师班。
有能力和财力参与大师班学习,别说合影,谈朋友也可行了啦。普通乐迷在大师班公开课上,想要到合照和签名也相对容易些,毕竟相比较正式演奏会,音乐家在授课时的状态相对比较放松。

3. 排练。
演出前的试琴和排练也是个不错的机会,有些乐团出于教育推广的目的,开演前的排练对乐迷部分开放。我有过一次经历,在开演前的下午,听了陈萨长达两个小时的练琴,然后get到了合照和聊天机会。

4. 观看音乐节或比赛。
这种时刻,你如果买的是一等票,基本上前后左右都是音乐家本人和他们携带的家属,一起观赏一起学习,一起聊八卦,比趁合照什么的酷多了。

5. 咖啡角。
只要中场休息或午餐时间,你定能在售卖咖啡和茶点的地方“偶遇”他们,怎么搭上话就看你的本事咯,不知道PUA学有没有用。有些年轻的音乐家也超爱玩自拍的。哈哈,王羽佳就是典型!

5. 后台守着。
有些超大牌很不乐意浪费自己的时间搞什么见面会的,但是!那个现场如果TA弹嗨了,观众又超给力,有序地守着一睹芳容,嗯哼,还是有机会的。

6. 讲座
有些巡演如果加上音乐学院行程,学生们福利会比较多,可以混迹到幼幼人群中去,音乐家们对学院的学生好感比较多。

7. 社会名流的宴请,媒体推广会,after party之类滴。
某企业家前辈,自己拥有音乐厅。答主曾经被临时拉上充当摄影师,这种时刻,各种fancy dress,只要参与者,无论多大牌,都在心中期盼着那张完美合照,一堆电子邮件就这么get到了。

8. 去音乐厅工作、兼职、当志愿者,貌似摄影记者,机会也会比较多。

暂时就酱。

古典音乐 钢琴家 音乐会 指挥

对比 Daniel Barenboim、Murray Perahia、内田光子演奏的莫扎特音乐,你更喜欢谁的?为什么?

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除了以上列出的,我还比较感兴趣对 Lili Kraus 和 Alfred Brendel 演奏的 Mozart 音乐的评价

haebler像白开水,停顿太过刻意。gould把莫扎特彻底重新改装了一遍,但是因为个人色彩太强烈,听众憎爱分明。haskil莫扎特无人超越,真正是泉水淙淙流动的声音。老霍的奏鸣曲略快,急了一些。
curzon的莫扎特20号钢协不可错过

音乐 古典音乐 钢琴家

为什么大部分钢琴家向台下鞠躬时都会用一只手扶着钢琴?是因为兴奋和紧张吗?

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诶...是这样的...钢琴对演奏家来说不只是工具,不止是乐器。一台让自己和观众都心满意足的演出是我和钢琴一同来成就的,她是我的搭档和朋友,我所获得的掌声和荣誉中有一半属于她。
我个人是这样的,很少有机会在很多人面前演出,但一旦有谢幕的机会,我鞠躬时摸着她心中是带有爱的(矫情了么=-=)。

钢琴 古典音乐 钢琴家

如何评价 Sviatoslav Richter 的绘画水平?

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Мемориальная квартира Святослава Рихтера
画的链接如上。

谢某人邀(黑人问号)
一点点私货。

其实大家都知道,这些画在美术史里没什么地位,充其量可能就是可爱的、可以印在旅游杂志上的看起来很舒服的画。不,不只是因为技法不行,现当代艺术已经不太讲技法了。关键是,这些画就只是可爱,看起来舒服而已,没有别的了。

看到这些画后,我第一反应就是上田耕造。他和我们的钢琴家一样,画的就是这种没什么内容的小可爱…不过人家是东京艺大的画家呢…

前面有个回答说他的色彩多么多么好的。其实吧,是官网设计的好,显得这些画的色彩多么美妙似的。把单幅画的大图点开就不是这么一回事了。单幅画挑出来,不难发现配色是有缺憾的。
而且,就像其他的业余爱好者,他的作品质量的确是层次不齐的。
说视角特别?也没什么特别的,离19世纪那些japonism差远了呢…




他的用色有很明显的莫奈的痕迹。我们为什么认为莫奈的画比sviatoslav richter的画伟大,一方面就是因为后世的画家可以不断的从莫奈的画上得到些什么。


虽然私下里一直吐槽印象派,但在这里,他表现的很优秀。

艺术 古典音乐 钢琴家 绘画 里赫特(Sviatoslav Richter)

在机器已经可以模拟弹钢琴的今天,钢琴家存在的必要性是什么?

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我的结论是,机器可以演奏钢琴,虽然现在的演奏水平还无法让人接受,而在将来,大部分二流三流钢琴家被机器取代也不会感到意外。

在音乐技术领域有专门的方向,研究如何让机器演奏的音乐具有表现力。有一个与此相关的比赛叫做Music Performance Rendering Contest,简称Rencon,网站是renconmusic.org 。这个比赛的内容类似钢琴比赛,只是演奏者换成了参赛队伍提交的程序,利用参赛者提交的程序控制一台Yamaha Disklavier演奏比赛主办方规定的曲目,再请人类评委评分。这个比赛从2002年开始举办,有一个有意思的路线图:


可以看到其希望在2050年左右赢得肖邦钢琴比赛(笑),当然路线图不必那么严格地对待,不过终归代表了努力的方向。

本来想上rencon网站上找找2013年比赛的录音来举几个栗子,不过看来现在网站维护中,暂时访问不了了,只好作罢。(2013年的winner的论文在此,有兴趣可以参考:speech.di.uoa.gr/ICMC-S

好在youtube上能看到08年胜出者YQX系统的一小段演奏录像youtube.com/watch?,说不上有多好,不过至少并非像某些其他答主所理解的那样只能机械得按照谱面弹奏了。(懒得搬运回墙内了,大家感兴趣自行翻墙^^)

写完后发现在2013年winner所在研究室的网站上找到了那年的结果,vs others



比赛分了两个组别,Automatic组是程序全自动分析乐曲并演奏;Human intervention是需要人来协助分析。Nominal似乎是用来对照的直接演奏原始midi的版本(就是比较机械的那种)。中间可以看到观众和专业评委的评分。其实听起来Polyhymnia+系统的斯卡拉蒂特别有意思,虽然不是第一名,不过觉得比第一名强一些。

对这个领域的了解也并不深入,只能做这么肤浅的介绍了,欢迎大家挑错和讨论。先写这些,以后想起来什么再补充。

机器人 钢琴 古典音乐 钢琴家

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